Classe spécialisée orchestre

Nous avons le plaisir de vous annoncer le programme de la Classe Spécialisée en Orchestre qui sera dispensée du 23 au 30 juillet 2022 sous la direction de Sébastien GIACOMI (violoncelliste et chef d’orchestre) en collaboration avec Yuriko KASE en violon solo, tous deux professeurs à l’Académie des Arts.

Programme d’orchestre

(sous réserve de modification)

– Mozart : concerto pour violon No.3 en Sol Majeur KV216

– Sibelius : la valse triste Op.44 No.1

les instruments concernés

Violon, alto, violoncelle, contrebasse, flûte, hautbois, cor, clarinette

La classe de formation instrumentale spécialisée en orchestre s’engage à ce que chacun des musiciens acquièrent les connaissances indispensables sur tous les rouages et astuces d’interprétation, ainsi que des capacités d’adaptations aux différentes situations musicales.

Le programme mis en place apportera aux futurs solistes l’opportunité de se produire accompagnées de l’orchestre.

Inscription

Classe de formation Spécialisée en Orchestre

1h30 de répétition tous les jours jusqu’à l’audition de fin de stage.

Tarif150€ la semaine 

(Gratuit pour les élèves en Tarif Master classe)

Deux possibilités s’offrent à vous :

Suivre la formation en complément de vos cours individuels, ou en orchestre uniquement à partir de niveau 2ème cycle.

Lorsque nous aurons connaissance de votre inscription, nous vous ferons parvenir les partitions par mail avec toutes les indications.

Delphine Haidan

Titulaire d’une Maîtrise de Musicologie à l’Université de la Sorbonne, d’un prix au CNSMP et de plusieurs récompenses au sein de concours internationaux, Delphine Haidan intègre par la suite l’Ecole d’Art Lyrique .

 

Elle se produit aussi bien à l’opéra, qu’en récital, en France et dans le monde sur des scènes prestigieuses, parmi lesquelles, l’Opéra Bastille, le Musée d’Orsay, l’Opéra Comique, l’Opéra de Bordeaux, le Capitole de Toulouse, le Théâtre des Champs-Élysées, le Festival de Glyndebourne, la grande salle du Conservatoire Tchaikovsky de Moscou, le Konzerthaus de Vienne ou encore le London Royal Albert Hall…

 

Delphine Haidan s’est fait remarquer dans de nombreuses productions telles que Les Contes dHoffmann (la Muse/Nicklausse), à l’Opéra Bastille et Zurich, La Damnation de Faust (Marguerite), à Moscou et  Kiev  et plus récemment dans LEnfant et les Sortilèges à la Scala de Milan et à Seattle, ainsi que dans Pélleas et Mélisande (Geneviève) à Tokyo.

 

Sa discographie comprend de nombreux enregistrements : Lakmé avec Nathalie Dessay et Michel Plasson,« Harmonieuses dissonances »  d’Eric Montalbetti sorti chez Alpha en 2020,  « Symphonie pour la vie » (soutien aux soignants – Warner) et son dernier enregistrement

«Deux Mezzos sinon rien» (Klarthe) avec Karine Deshayes, récompensé d’un CHOC Classica.

 

Au cours de l’été 2021, Delphine Haidan est engagée au Festival Berlioz dans Les Troyens à Carthage dans le rôle d’Anna, sous la direction de Francois Xavier Roth avec l’Orchestre des Siècles.

 

Le début de la saison 21/22 sera marqué par la production d’Eugène Onéguine au Théâtre des Champs-Élysées dans le rôle de Filipievna dans une mise en scène de Stéphane Braunschweig.

Delphine Haidan donnera également de nombreux récitals tout au long de la saison.

Parmi ses autres projets : une série de concerts « Deux Mezzos sinon rien » aux côtés de Karine Deshayes avec l’Orchestre d’Avignon dirigé par Debora Waldman.

Stage Flaine Dalcroze

Projet de 2 ateliers découverte de la pédagogie Dalcroze

Publics : Musiciens amateurs et professionnels du stage « Opus-74 Flaine »
Présentation : Le principe de cette pédagogie, c’est d’apprendre à l’aide de son corps, de créer une sorte de « banque d’expériences corporelles et auditives » dans laquelle l’élève vient piocher au besoin des apprentissages intellectuels. Tempo, mesures, rythmes, gammes, intervalles…. Toutes les notions sont abordées par des jeux créatifs, ludiques où le mouvement corporel et la voix tiennent une place importante, en utilisant le déplacement dans l’espace, l’équilibre et le déséquilibre du corps, la variation de l’énergie.
Intervenante : Claire Leleu, formatrice de formateurs à la méthode Dalcroze
Objectifs : Découvrir par l’expérience vécue les principes de base de la pédagogie Dalcroze, au service du jeu instrumental, pour un interprétation mieux ressentie.

Groupe a) découverte sans explication didactiques.

Groupe b) découverte puis approfondissement du sujet et didactique.

Modalités d’intervention : deux possibilités : a)      6 séances de 45’ gratuites (une par jour de stage)

b)      6 séances de 1h45 payantes (une par jour de stage) comprenant legroupe a) pour45’ puis le groupe b) seul pour 1h

Total d’heures d’intervention : 10h30
Remarques : –         Les stagiaires viennent avec des vêtements adaptés au mouvement,des chaussures à semelle plates (chaussons de rythmique) et avec leur instrument de musique personnel.

Une salle spacieuse, libre de tables et chaises, avec un piano, untableau et une chaîne HIFI sont nécessaires au bon déroulement du stage.

Pédagogie Dalcroze

La pédagogie Dalcroze au service de la formation musicale

Par Claire Leleu

La méthode créé par Monsieur Emile Jaques-Dalcroze :

  • Qu’est-ce que la pédagogie Dalcroze ?

Le principe de cette pédagogie, c’est d’apprendre à l’aide de son corps, de créer une sorte de « banque d’expériences corporelles et auditives » dans laquelle l’enfant (ou l’adulte) vient piocher au besoin des apprentissages intellectuels. Tempo, mesure, rythmes et phrasés deviennent une réalité concrète pour l’élève et pas seulement un concept, car ces notions sont abordées par des jeux où le mouvement corporel tient une place prépondérante en utilisant le déplacement dans l’espace, la variation de l’énergie, l’équilibre et le déséquilibre du corps.

  • Est-ce que les acquisitions peuvent-être les mêmes que dans des cours de FM utilisant d’autres pédagogies ?

Oui, bien sur, et si parfois les progressions peuvent sembler prendre des chemins autres qu’habituels, c’est pour mieux assurer les connaissances de bases nécessaires à tout musicien ou danseur.

  • Qu’est-ce qu’elle apporte de différent ?

Cette pédagogie est corporelle. Le corps explore, imite, invente, crée, puis donne les réponses aux questions posées par l’enseignant, en s’appuyant parfois sur l’expérience du groupe pour assurer ensuite une autonomie musicale.

Cette pédagogie développe les notions rythmiques. Le rythme et les différents niveaux de pulsation se superposent, s ‘associent pour mieux se différentier, la mesure n’est pas uniquement « des notes entre deux barres » mais elle se rattache à plusieurs expériences où le corps aura « dansé » avec les premiers temps, les temps forts et les temps faibles, la sensation des temps binaires et ternaires, le phrasé, la carrure.

Cette pédagogie est aussi orientée vers le développement auditif. En s’appuyant sur l’expérience de l’organisme entier, en relation avec l’espace qui l’entoure, en utilisant aussi certains mouvements ou des objets, elle développe aussi les acquisitions auditives et harmoniques. Le mouvement mélodique des sons, l’ordre des notes, les intervalles, les fonctions tonales, la connaissance des noms de notes et leur lecture se développe naturellement et parallèlement.

Cette pédagogie est créative. Par des jeux avec des objets de motricité (ballons, cerceaux, foulards…) et la recherche de mouvements, les interactions avec les autres enfants, elle participe à l’éducation musicale et artistique des élèves, dans un cadre ludique.

C’est ainsi que, petit à petit, les acquisitions se construisent grâce aux différentes mémoires de l’élève, (musculaire, auditive, visuelle) pour qu’il puisse dire « je ressens » avant « je sais »

Développer les compétences pédagogiques des enseignants :

Les sujets

1- pulsations, temps 5- anacrouse, crouse, métacrouse
2- métrique : mesure changement de mesure alternance binaire/ternaire transformations métriques polymétries

division des 12 croches temps inégaux

6-     syncopes

7-     rythmes complémentaires et contre-temps

8-     phrases

9-     formes

10-  silences

11-  canon

12-  double(triple) vitesse et lenteur

3- rythme 13- contrastes, nuances dynamiques, agogiques et tactiles
4- polyrythmies 14- mélodie, polyphonie

Les moyens

  • relation entre le temps, l’espace et la vitesse
  • réactions auditives, visuelles, tactiles (en imitation, conventionnelles, mixtes)
  • association, dissociation
  • incitation, inhibition
  • automatisation
  • systématisation
  • exercice de groupe
  • improvisation

Les facultés, aptitudes et qualités exercées et développées

1- mobilité d’esprit 7- sens de l’orientation
2- mémoire 8- justesse dosage de l’énergie
3- pouvoir d’attention et de concentration 9- possibilité de réagir de façon adaptée
4- coordination des mouvements 10- capacité de représentation
5- motricité (latéralité, schéma corporel) 11- l’expression, l’imagination
6- harmonie des mouvements corporels 12- l’esprit de groupe, la sociabilité

 

Présentation Dalcroze

Présentation Dalcroze

 

«On n’écoute pas la musique uniquement avec les oreilles, on l’entend résonner dans le corps tout entier, dans le cerveau et dans le cœur »

Émile Jaques-Dalcroze, Notes Bariolées

La rythmique Jaques-Dalcroze est une pédagogie active et musicale fondée sur le mouvement corporel. L’élève est amené à ressentir ce qu’il entend grâce à l’interprétation corporelle des sons et des rythmes joués par l’enseignant.

La stimulation de sa motricité globale lui permet de vivre son corps comme premier instrument de musique, celui par lequel la musicalité est ressentie et transmise.

Une petite révolution est en cours actuellement dans les conservatoires de France. De nombreux directeurs cherchent à proposer dans leur établissement des pédagogies alternatives pour enseigner la musique. La plus connue est une méthode qui est utilisée depuis des décennies par tous nos voisins européens : la rythmique Dalcroze.

Qu’est-ce que la méthode Dalcroze ?

C’est une méthode inventée il y a plus de 100 ans par un compositeur suisse, Emile JaquesDalcroze. Passionné de musique et de pédagogie, il avait remarqué que trop souvent les musiciens se plaçaient eux même dans deux catégories : les intellectuels et les créatifs. A chacun il manquait quelque chose. Alors à la fin du XIXe siècle il a demandé à ses élèves d’enlever leurs chaussures, une révolution à l’époque, de pousser les tables, de poser les crayons et de se mettre en mouvement, car selon lui le corps devait être au centre de la musique.

« La méthode Dalcroze suppose de partir du fonctionnement de l’enfant, du jeu du plaisir et donc de l’instinct avant l’analyse »

Sylvie Morgenegg, formatrice de rythmique Dalcroze

 

Singularité :

Ressentir la musique dans son corps. Tel est le pilier de cette démarche éducative globale qui allie corps et esprit. La rythmique révèle les liens naturels qui existent entre le mouvement corporel et le mouvement musical facilitant ainsi la découverte artistique et l’apprentissage d’un instrument.

Au-delà de l’apprentissage musical proprement dit, la méthode dalcrozienne pose très vite chez l’enfant, même s’il n’en est pas conscient, les bases d’écoute, de motricité et de sociabilité utiles dans de nombreux domaines.

Bienfaits :

L’élève est amené – de manière active et ludique – à apprivoiser les éléments qui composent la musique, à les analyser puis à en jouer dans l’espace, à travers l’improvisation musicale et corporelle.

Il est conduit dans ses apprentissages du connu vers l’inconnu, du facile vers le plus difficile. L’élève développe ainsi, au fil des leçons, des facultés sur lesquelles il pourra compter toute sa vie:

•    musicalité, sens du rythme et du mouvement

•    bien être physique et psychique

•    imagination et créativité

•    aisance sociale

•    aisance en public

•    affirmation de soi

•    équilibre, détente, relaxation

•    agilité intellectuelle et physique

•    concentration

 

« Le problème en France c’est que tout est intellectuel, rhétorique cartésien, donc le corps n’est jamais pris en compte. Il y a cette idée qu’il faut souffrir pour apprendre, faire des efforts. Or la méthode Dalcroze passe par le plaisir. C’est apprendre en s’amusant ! »

Laetitia Disseix-Berger, dalcrozienne au conservatoire de Rueil Malmaison

Un succès dans toute l’Europe :

Cette méthode d’enseignement qui s’applique non seulement à la musique mais à tous les arts séduit de très nombreux artistes à l’époque. Jusqu’en 1915 Emile Jaques-Dalcroze avait créé à Hellerau à l’est de Allemagne un centre de formation où sont passés tous les grands noms de la culture européenne : du compositeur Arthur Honegger, au metteur en scène Stanislavski, en passant par le Nobel de Littérature Georges Bernard Shaw, ou encore le Corbusier ou Paul Claudel. Ce que venait chercher ces artistes ? La liberté artistique !

« Pour enseigner la gamme, on peut passer par la danse, le mime ou le dessin. Dessiner une maison à huit étages avec des personnages avant de montrer que cette maison en langage musical c’est une portée avec huit notes. Passer par l’imagination de l’enfant, lui faire ressentir les concepts dans son corps et pas seulement dans sa tête laisse des souvenirs qui sont indélébiles»

Anne-Gabrielle Chatoux-Peter, enseigne la rythmique Dalcroze au conservatoire de Vincennes.

Sur tout le territoire français, il n’y a aujourd’hui que douze enseignants formés à la méthode Dalcroze. Manque de financement pour créer un centre de formation français à cette méthode ? Manque de curiosité des directeurs de conservatoire ? Manque de volonté politique face à toutes les pédagogies alternatives ?

Pour aller plus loin :

Claire Leleu

Ma formation professionnelle artistique et pédagogique s’est réalisée à l’Institut Dalcroze de Genève. J’y ai obtenu la Licence d’Enseignement puis, quelques années plus tard, le Diplôme Supérieur Dalcroze.
Le Diplôme Supérieur Dalcroze permet d’assurer les formations professionnelles pour les enseignants de musique et de danse intéressés par cette pédagogie.
J’ai été responsable de la formation continue Dalcroze en France pour les professionnels de la musique et de la danse. Je suis aussi formatrice de formateurs auprès du CNFPT, des CEFEDEM et de nombreuses associations.
Titulaire du Diplôme d’Etat de FM et du DUMI, je suis une enseignante passionnée, expérimentée et polyvalente.
J’ai l’expérience de milieux très divers, allant du scolaire en milieu défavorisé à la filière spécialisée du Centre de la Voix Rhône Alpes ainsi que l’expérience d’ateliers de rythmique Dalcroze pour seniors.
J’enseigne actuellement au CRD de Montbéliard dont j’ai en charge les classes d’éveil et de formation musicale instrumentistes et danseurs, dans lesquelles j’utilise la méthode Dalcroze comme outil principal d’enseignement.

 

Isabelle Lauret

Isabelle Lauret, Violoniste, Titulaire de l’Orchestre Colonne,
Professeur d’enseignement artistique au CRC Colombes

L’amorce de mes études de violoniste, de mon envie de musique, se fait au conservatoire de St Germain En Laye. Celles-ci se développent dans toutes leurs disciplines au CRR de Aubervilliers- La Courneuve; pour se concrétiser par un Premier Prix de Violon au CRR de Rueil-Malmaison dans la classe de Gilles Henry validant, ainsi, différents cursus de formation riche de diversité.
Je continue de développer, auprès de Gérard Jarry, Professeur au CNSM de Paris, une rigoureuse et joyeuse affirmation de mes compétences violonistiques.

Entrée à l’âge de 14 ans dans la classe de Christian Manen-Prix de Rome- puis dans la classe d’ Harmonie-Contrepoint de Jeanine Rueff, j’obtiens un Premier Prix de Solfège Spécialisé au CNSM de Paris. L’appréhension des codes musicaux a été soutenue par une pratique intensive du Piano.

Forte d’une formation instrumentale, musicale inscrite dans sa globalité et son exigence, j’intègre le CEFEDEM de Rueil-Malmaison où je valide un DE de Formation Musicale et un DE de Violon.
Mon engagement pédagogique s’affirme; en effet, le désir de transmission s’avère une évidence. Tous les aspects d’une pédagogie ouverte, curieuse et bienveillante sont mises à jour: la pratique instrumentale, poussée, par les cours de musique de chambre de Serge Collot et les cours plus théoriques ( psychologie de l’enfant, diversités des pédagogies, culture, …) étayent ce choix.
Dans le même temps, j’intègre l’Université Paris-Sorbonne où j’acquière une Licence de Musicologie.
Parallèlement, cette recherche due à la pédagogie, rend une pratique instrumentale voulue et indispensable. En 1996, j’entre en tant que violoniste titulaire à l’Orchestre Colonne; l’exploration de différents répertoires, la défense des musiques contemporaines, la transmission au jeune public, ont permis, outre de confirmer ma passion de musicienne, de nourrir mon enseignement.
Je suis, maintenant, musicienne et Professeur d’Enseignement Artistique, spécialité Violon.

Paola Meloni

Née à Cagliari (Italie) en 1986, Paola réussi le concours d’entrée et entreprend l’étude du piano au Conservatoire de Musique d’État de sa ville à l’âge de onze ans. Terminé le Lycée Classique avec mention, Paola poursuit et approfondit ses études du piano, et en 2009 elle obtient le Diplôme de Piano (Premier Prix) au Conservatoire d’État de Cagliari. Paola commence aussi à suivre nombreuses Master Classes de Perfectionnement dans toute l’Europe (Conservatori Liceu de Barcelona, Accademia Internazionale di Musica de Cagliari, Hochschule fur Musik Franz Liszt de Weimar, Akademia Muziczna w Krakowie, Academy of Music di Vilnius), avec nombreux et renommés pianistes, parmi lesquels Gerlinde Otto, Claudio Martinez, Ludmila Berlinskaia, Rolf Dieter Arens, Maurizio Moretti, Stanislav Pochekin, Benedetto Lupo, Yukio Miyazaki, Jurgis Karnavicius, Jacques Rouvier, Gabriel Tacchino, Peter Waters.
En Janvier 2012, Paola obtient avec un Premier Prix avec mention le Master en Piano au Conservatoire d’État de Cagliari. Et en Juin 2014 elle termine ses Études Supérieures en Piano à la Schola Cantorum de Paris, où se perfectionne avec Monsieur Gabriel Tacchino.
Paola se produit dans nombreux Récitals en Piano Solo, Musique de Chambre e Concertos pour Piano et Orchestre en Italie et en Europe pour plusieurs Associations et Festivals de Musique, parmi lesquels l’Associazione Mozart Italia, la Fondazione Siotto, le Festival Sonus de Attongiu, le Festival Il Pianoforte a quattro mani, l’Associazione Inter Artes, l’Associazione Arte e Musica Roana, le Festival de Piano Con…certando, le San Sperate Piano Festival, le Conservatori Liceu de Barcelona, le Teatro Massimo di Cagliari, le Festival Musicale Internazionale di Ponti Sul Mincio, la Florianka Concert Hall de Krakow, le Festival de Piano Claudio Arrau, l’Academy Concert Hall de Vilnius, le Liszt Piano Festival, le Festival Debussy et la Musique Française, l’Auditorium del Conservatorio de Cagliari, l’Associazione Solidando, l’Ente Musicale Nuoro, Euterpe Iniziative Musicali, Studi Aperti Cagliari, l’Ente Concerti Marilisa De Carolis de Sassari, l’Ente Concerti Oristano, l’Associazione Intermezzo, le Teatro Eliseo de Nuoro, Piano City Milano, l’Heure Musicale au Marais à Paris, la Fondazione Banco di Sardegna, l’Associazione Suoni in Tempesta, le Festival des Musiques Improvisées Imprudences, la Cité des Arts de Paris, le Teatro di Serrenti, le Festival Piano Time à la Kammermusiksaal im Steingraeber Haus à Baireuth.
En 2018 son premier CD pour Stella Recording, “Sur la mer”, oeuvre pour quintette (piano, alto, violoncelle, clarinette et saxophone) composée par Stefano Tore.

Sihana Badivuku


Sihana Badivuku – Hoxha, distinguished Kosovar violinist, was born in Prishtina/Kosovo in 1967, in a musician family. She accomplished elementary and secondary musical school in Prishtina,at the class of prof. Vančo Stoilkov,Blagoja Dimčevski and Pavel Vernikov. At age of 16 she became student of Kiev State Conservatoire”P.I.Tchaikovski”at class of Ukranian prof., Violinist Bogodar Kotorovich(1983-1984).From 1984 she became student at the Moscow State Conservatorium “P.I. Tchaikovsky” where she graduated with well known Prof. Eugenia Tchougaeva , and completed her Master degree(MA).
She played with distinguished artists in chamber ensembles: Pavel Vernikov, Derek Han,Frank S.Dodge,Stephen Prutsman,Matthew Barley,Pierluigi Camicia,Francesco de Zan,Bertrand Giraud ,Alfredo Oyaguez,etc. Active professional collaboration with pianists:Lejla Pula,Teuta Pllana,Meri Stoilkova,Zana Badivuku,Jouni Sommero,Maja Kastratovich&Derek Han.

Yannick Lopes

2020:  Professeur au conservatoire de Poissy
A travaillé avec les ensembles de musique contemporaine:2E2M, Ars Nova, la Péniche Opéra et est invité à plusieursfestivals renommés:
festival Agora à l’IRCAM (Institut de Recherche et CoordinationAcoustique/ Musique)festival international de danse Rosalia Chladek à Paris
festival Musique en Graves à Bordeaux (président d’honneur advitam aeternam M.Rostropovitch) festival d’Avignon (compagnie d’Art dramatique de Poitiers) Ivan Malanin festival à Novosibirsk, Sibérie Safed klezmer festival en Israël;
A enregistré plus d’une vingtaine de disque allant du classique,world-music, musique à l’image et musique contemporaine.
Trio Klezele: musique klezmer (musiques des juifs d’Europe del’est)
Trio Lopes et Duo Paris-lisboa: musique portugaise
Duo Y.Lopes & A.Blasco: musique traditionnelle des Pyrénéescatalanes.
Y’Art: Musique improvisée (guitare classique et ordinateur)
Ces ensembles se sont déjà produit en Europe, au Moyenorient, en Russie et en Amérique du Nord.

Christophe Neuhauser

Christophe Neuhauser est premier prix du CNSM de Paris,cet élève d’Alexandre Lagoya nous entraine sur les traces de Francisco Tarrega,Heitor Villa Lobos,Isaac Albeniz,et bien d’autres grands noms de l’histoire de la guitare,programme de son premier cd consacré aux compositeurs hispano américains.Il perfectionne son art en travaillant avec des guitaristes prestigieux tels que « Alirio Diaz », »Léo Brouwer ».Il se fera remarquer lors du concert consacré à Joaquim Rodrigo en interprétant « la fantaisie pour un gentilhomme », »le concerto d’aranjuez » ainsi que le concerto en ré de A.Vivaldi accompagné par l’orchestre « mouvement 12 ».Formant depuis 25 ans le duo Di Mosole-Neuhauser ils joueront avec l’orchestre universitaire de Toulouse le concerto pour deux guitares en sol M de Antonio Vivaldi.En 2014 il enregistre avec Serge Di Mosole le cd « de Bach à Piazzolla » au programme des oeuvres de

Sor,Scarlatti,Soler,Bach,Haendel,De Falla,Cardoso,Piazzolla et quelques compositions et arrangements.Christophe Neuhauser contribue aussi par Ces compositions à élargir le répertoire de la guitare, ces pièces sont publiées aux éditions Soldano France.

Serge Di Mosole

Né à Toulouse (France) le 27 novembre 1963, Serge Di Mosole étudie la guitare au conservatoire national de région de Toulouse dans la classe du maître Marc Franceries et Paul Ferret et obtient à 17 ans un premier prix de musique de chambre et une médaille d’or en guitare. C’est dans le cadre de divers stages internationaux qu’il perfectionne son art avec entre autre avec le maître cubain Manuel Barrueco dont il recevra de ses mains le diplôme international d’interprétation. Il commence une carrière de concertiste, se produit lors de festivals, centres culturels, églises et enregistre son premier cd consacré au répertoire sud américain en 1994 pour lequel il recevra d’élogieuses critiques dans la revue internationale «Les cahiers de la guitare» et la revue UT-MI-SOL. En parallèle il compose des pièces pour guitare seule, en duo, ensemble instrumental, piano et orchestre. Ses compositions ont illustré une dizaine de documentaires de 2006 à 2010 pour la télévision française FR3 l’émission «des racines et des ailes». En 2014 sortira un premier cd en duo avec le guitariste Christophe Neuhauser, consacré au répertoire baroque,espagnol et sud américain de Bach à Piazzolla. www.dimosole-neuhauser

Emilien Lefèvre

http://www.emilienlefevre.com

Mené par sa vocation de musicien, il se forme dès l’âge de 15 ans auprès des meilleurs professeurs parisiens : Jean-Claude JABOULAY et Michel BENET au CRR de Paris, puis Jacques TYS, David WALTER et Frédéric TARDY au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. Il en ressort diplômé d’un master avec une mention Très Bien à l’Unanimité. La qualité de l’enseignement qu’il y reçoit et sa participation aux tournées de l’Orchestre Français des Jeunes forgent son expérience d’orchestre, et le conduisent à intégrer à 21 ans la prestigieuse GARDE REPUBLICAINE. Sa polyvalence recherchée l’y amène à assurer les partie de hautbois, hautbois d’amour et cor anglais solo. Il collabore par la suite avec des formations telles que l’Orchestre Philharmonique de Radio France, l’Ensemble Intercontemporain, le Capitole de Toulouse, les Dissonances, l’orchestre Philharmonique de Strasbourg ou l’Orchestre de l’Opéra National de Lorraine.
Les rencontres artistiques marquantes forgent son idéal de jeu, de style, et de répertoire. Ses collaborations avec le violoncelliste Carlos DOURTHE, le pianiste Jean-Bernard POMMIER, ou encore la violoniste Sarah NEMTANU, l’incitent à développer le répertoire de chambre. C’est chose faite avec l’Ensemble ALTONA, aux côtés du corniste Matthieu ROMAND et de la pianiste Anne-Lise HEMERY.
Passionné de répertoire baroque, il fonde avec ses amis musiciens l’ensemble A CINQUE, formation à cinq voix issue des concertos vénitiens d’Albinoni. Son effectif minimaliste, avec un instrument par partie, allie merveilleusement l’éloquence du style concertant à l’esprit chambriste. La fondation MEYER du conservatoire de Paris lui attribue une bourse pour enregistrer dans la collection «Jeunes Solistes» du conservatoire. Le disque rassemble quatre concertos pour hautbois d’amour, un hautbois de tessiture mezzosoprano qui connut son triomphe à l’ère baroque.
La question de l’enseignement s’est toujours révélée centrale dans la recherche musicale d’Emilien Lefèvre.
Sa réflexion s’est construite tout au long de son parcours d’étude, en comparant et confrontant les différentes manières et styles de ses professeurs. Le sincère désir de transmettre et d’accompagner les plus jeunes, dans le développement de leur passion musicale et de leur parcours d’études professionnelles, le conduisent tout naturellement vers la formation CA du Conservatoire de Paris. Il est l’un des rares hautboïstes de sa génération à en être ressorti diplômé. Après deux années comme professeur au conservatoire du 15eme arrondissement de Paris, il prend en 2018 la succession de Didier PATEAU au conservatoire d’Aulnay-sous-Bois.

Benjamin Valette

Benjamin est un musicien polyvalent. Dans ses récitals en solo, il interprète les pièces emblématiques du répertoire, des révisions de manuscrits, ou encore des arrangements personnels.
Son disque solo Bach, Telemann, Weiss chez le label Ad Vitam Records (Harmonia Mundi distribution), salué par la critique (4 étoiles Classica), a été diffusé sur France Musique et Radio Classique dans plusieurs émissions. La journal Libération ou Guitare Classique Magazine se font écho de ses sorties discographiques.
Benjamin Valette édite ses arrangements chez les Editions Durand et les Editions Dobermann-Yppa.
Il s’est produit en soliste et chambriste dans de prestigieuses salles et festivals en France et à l’étranger. Il compte une dizaine d’enregistrements.

Avec Gabriel Bianco, Arkaïtz Chambonnet et Pierre Lelièvre, il fonde en 2012 le Quatuor Éclisses (4 guitares). Ils remportent en 2013 le concours européen de musique de chambre de la FNAPEC et sont lauréats de la fondation Banque Populaire 2014. Ils effectuent des concerts en France et à l’étranger (USA, Mexique, Indonésie, Jordanie, Algérie, Roumanie…). En France, on notera des récitals au Théâtre du Châtelet ainsi qu’à la Folle Journée de Nantes, aux Flâneries de Reims, au Festival Radio France.
Leurs disques « Guitares » (2013), « Invitation Française » (2015), « Pulse » (2017) et « Evocación » (2020) sont sortis chez Advitam Records.

Avec la violoncelliste Juliette Salmona, ils enregistrent le CD « Retratos » en 2017 et donnent des concerts dans divers festivals en France avec un programme brésilien.
Son dernier CD « Vamos! » est sorti fin 2018 avec la chanteuse Mélodie Ruvio autour de pièces espagnoles de Falla, Turina, Rodrigo ou Obrador et les amène dans des festivals français et suisses.

Benjamin Valette a également multiplié les expériences musicales avec les solistes de l’orchestre de Caen, Clémentine Decouture (voix), Lucie Eden (voix), Julien Desgranges (clarinette), Mathieu Névéol (violon), l’ensemble vocal Chronochromie ou l’orchestre de l’Opéra de Paris….

Benjamin Valette commence la guitare à 7 ans avec Florentino Calvo. Cinq ans plus tard, il entre au CRR de Paris dans la classe de Pedro Ibanez avec qui il se forme pendant une dizaine d’années. Il intègre ensuite la classe de guitare de Roland Dyens au CNSM de Paris jusqu’au Master d’interprète et se perfectionne avec Judicaël Perroy. Suivront un Master de musique de chambre et un Master de pédagogie (formation CA). Il rencontre Manuel Barrueco, Ricardo Gallen, Zoran Dukic, Dusan Bogdanovic, Alberto Ponce, Jean-Marc Zvellenreuther, Olivier Chassain… lors de masterclasses.
Animé par le goût de transmettre, il est actuellement professeur au Conservatoire Paul Dukas (12ème arr.) de la Ville de Paris et lance en 2021 la chaîne YouTube Benjamin French Guitar.
Benjamin Valette joue sur les cordes Savarez.

Benjamin Chartre

Benjamin Chartre est cor solo de l’Opéra Royal de Wallonie depuis 2013. il a commencé ses études à Niort où il obtient son Diplôme d’Etudes Musicales. Il part ensuite à Gennevilliers pour se perfectionner. Il y obtient une médaille d’or ainsi qu’un prix de perfectionnement à l’unanimité. Il intègre ensuite le CNSM de Paris dans la classe Jacques Deleplancque et Patrice Petitdidier. Lors de ses études, il a l’occasion de travailler avec de grands solistes internationaux tels que Marie Luise Neunecker, Francis Orval, André Cazalet, Frank Lloyd… Il s’est produit avec différents ensembles tel que l’Orchestre Philharmonique de Radio France, l’Orchestre Philharmonique de Liège, l’Ensemble Intercontemporain

Hugues Soualhat

Hugues commence la musique à 6 ans au CRR de Rueil-Malmaison au piano puis à la clarinette dans la classe de Claire Vergnory. En 1999 il intègre le CNSM de Lyon puis le CNSM de Paris dans les classes de Michel Arrignon et de Pascal Moraguès. Il obtient en 2005 le Diplôme de Formation Supérieure avec un 1er prix de Clarinette mention Très Bien. De 2003 à 2006 il est clarinettiste au Schleswig Holstein Festival Orchester avec lequel il joue sous la baguette des plus grands chefs: Kurt Masur, Valery Gergiev, Kent Nagano et Christoph Eschenbach qui l’invite à jouer en musique de chambre lors de plusieurs concerts « Jeunes talents ». En 2006 , il est clarinette solo du Gustav Mahler Jugend Orchester dirigé par Claudio Abbado. En 2007, il est lauréat boursier de l ADAMI.
Passionné de Théâtre, Hugues suit parallèlement à ses études musicales une formation d acteur au Studio d’Asnieres puis au Théâtre National de Toulouse. Il participe régulièrement à des productions sur les grandes scènes françaises: Théâtre de la Commune, Théâtre National de Toulouse, Theatre de Beaune…
En Musique de Chambre, il joue régulièrement aux côté de Denis Pascal, le Quatuor Thymos, Christoph Eschenbach, David Fray… On peut l’entendre dans des Festivals tels les Rencontres Musicales de Fontainebleau, le Printemps Musical de Silly, le Coeur en Musique, à l Opéra de Tours… De 2010 à 2012, il est clarinettiste à l’Orchestre d Harmonie des Gardiens de la Paix de Paris. En 2010 il intègre l’Orchestre Symphonique de Tours au poste de Clarinette solo. Passionné d Enseignement, Hugues a été Professeur au CRR de Rueil-Malmaison. Il est nommé en 2011 Professeur Titulaire de Musique de chambre et clarinette au CRR de Lyon.

VINCENZO MARIOZZI

VINCENZO MARIOZZI He was the first solo clarinet for about 30 years in the Orchestra of the National Academy of Santa Cecilia since 1968, he studied with Gambacurta at the conservatory of Rome where he then taught for many years. Already first solo clarinet of the Teatro Massimo Orchestra in Palermo, he held the same role in the World Symphony Orchestra. In 1967 he was awarded at the international competition of Geneva. As a soloist he has given concerts under the direction of Markevich, Kurz, Previtali, Zecchi, Ceccato, Renzetti, Marriner, U. Benedetti Michelangeli, Maag, Sinopoli, Sawallisch, Giulini and Gatti. He also carries out an intense chamber music activity with tours in Spain, Belgium, Austria, France, Germany, the Soviet Union, Australia, North and South America. Very appreciated on the occasion of the Mozartian Bicentennial, his interpretation of the Concerto K. 622, also proposed at the prestigious Europa Mozart Praha festival. He has made many recordings for Rai and various recordings, the most recent are dedicated to sonatas for clarinet by Brahms and at the Mozart concert with the Mantua Chamber Orchestra in addition to clarinet quintets by Mozart and Brahms for the Hamphlion label. Very much appreciated teacher of his instrument, he holds courses and masterclasses in Italy and abroad. Founder and director artist of the Fiuggi International Festival, he made his debut as conductor in the main theaters of Caracas and Lima, enjoying great success with critics and audiences. He has directed, for the opera season of the Teatro Petruzzelli in Bari, Cosi fan tutti by Mozart, with considerable success and appreciation from specialized critics.

Francesco Mariozzi

Francesco Mariozzi
Figlio d’ arte si è diplomato in violon­­cello con il massimo dei voti sotto la guida
del M° N. Sarpe, ha continuato i suoi studi alla Hochschüle fur Musik di Würzb­­urg conseguendo la Meisterklassend­­iplom con il Maestro J. Metzger; si è pe­­rfezionato con arti­s­ti prestigiosi come Maisky, Gutman, Ge­­ringas, Perènyi, Meu­­nieur, Palm, nonché presso importanti ac­cademie quali “Stauffer” di Crem­­ona, Università di Mainz, l’Accademia Ch­­igiana di Siena, Ho­c­hschüle di Vienna.
Dal 2007 al 2012 è stato primo violonc­­ello presso il Teatro Massimo Bellini di Catania, è stato spesso primo violo­­ncello ospite presso il Teatro S. Carlo di Napoli, l’Orchest­­ra Sinfonica Sicili­a­na, il Teatro Regio di Pa­­rma e l’Orchestra si­­nfonica di Roma e del Lazio. Collabora con gli attori Claudio Santa­­maria, Anna Fogliett­­a, Marco D’Amore, es­ibendosi in import­an­ti festival teatr­ali. In passato ha coll­­aborato con altre im­­portanti istituzion­i, quali l’Orchestra Santa Cecilia di Ro­ma e la prestigiosa Orchestra Filarmonica “Arturo Toscanini”, diretta da Loorin Maazel, nella quale ha ricoperto il ruolo di primo violoncel­l­o. È ospite, sia come solista che come ca­­merista, di prestigi­­ose istituzioni mus­i­cali e straniere come la Società del Quartetto di Firen­­ze, il Festival dei Due Mondi di Spoleto, l’Institut Culturel Italien de Montrea­­l, gli incontri Musi­­cali di Fiesole, il Festival delle Nazi­o­ni di Portogruaro, il Festival di Pompos­­a, l’Associazione Fi­­larmonica Umbra, a Marzo 2019 suonerà co­me solista nella fam­osa sala CARNEGIE HA­LL di NY, spesso suona in duo con il pianista Bruno Can­­ino.
È direttore artist­­ico del Festival del­­le Città Medievali (Roma e Lazio). Ha in­oltre effettuato div­erse registrazioni per Radio Vaticana.
Il M° Mariozzi olt­­re ai concerti e all­­’insegnamento si de­d­ica alla composizi­on­e.
Sì è laureato in vi­oloncello e composi­­zione al Hochschule für Musik di würzburg Frankfurt am Main (Germania).

Agnès Pereira

Holding a diploma of the Conservatoire National Supérieur de Musique de Lyon in the violin class of Peter Csaba, Agnès Pereira continued her studies next to soloists such as Jacques Gesthem, Elisabeth Balmas, Jacques Prat, Marie-Annick Nicolas, Nejmi Succari and spent a year at the Juilliard School in New York.

Chambrist with, among others, the cellist Alain Meunier, she appeared on stage with Miguel Angel Estrella in Buenos Aires. The French Embassy in Washington D.C. asked her to perform as a soloist as part of the concerts given at the George Washington University for a production by Odile Perceau. Under the aegis of the ambassador of the United States in France, she was invited to play a program Pergolèse-Perceau within the prestigious setting of the Saint Chapel in Paris. Several recitals would follow.

She teaches at the Conservatoire de Musique de Voiron and since 1994, she has been a permanent staff member of the Saint-Etienne Symphonic Orchestra. She also regularly plays with the Orchestra of the Lyon Opera, the Lyon National Orchestra, the Caen Orchestra, the Grenoble Instrumental Ensemble and the Orchestra of the Marseilles Opera. Invited with the pianist Laurence Garcin by the Auditorium of the Grenoble Museum to take part in the festival Midis en Musique, she drew praise for a program of Brahms and Beethoven.

Agnès Pereira plays on a Gagliano violin dating from 1763, put at her disposal by the Mainssieux Museum of Voiron.

 

Chantal Baeumler

Chantal BAEUMLER, viole de gambe
a obtenu après un premier prix de flûte à bec, un prix de viole de gambe et de musique de chambre au Conservatoire national de musique de Strasbourg. Elle a travaillé la viole de gambe auprès de divers professeurs dont Michel Holveck, Pere Ros, Marianne Muller, et a suivi durant plus de 5 années la technique Feldenkrais. Toutes ces rencontres et ce travail de posture, forment sa richesse pédagogique ou de concertiste, lui donnant un jeu libre d’expressions diverses et variées, d’une grande sensibilité ou musicalité.
Elle aime transmettre le répertoire de la viole de gambe si vaste, de La Renaissance au Baroque jusqu’aux musiques d’aujourd’hui, en solo ou en musique de chambre et en consort de violes bien sûr ! Elle est titulaire du Diplôme d’Etat de professeur de Musique ancienne et enseigne dans les Conservatoires de musique de Belfort et de Montbéliard depuis de nombreuses années.
Elle a fait partie de plusieurs ensembles comme “Le Tourdion”, “La Traditora”, “Le Décapole Consort”, “La Maîtrise de Garçons” de Colmar, « Les jardins de courtoisie », “Le Masque”, “La Messinoise” et a participé à divers festivals dont celui de Lanvellec, Camaret à diverses reprises, en Suisse, en diverses saisons musicales dans le Grand Est, en Bretagne, dans toute la France…
Elle a créé en 2015 son propre ensemble : « L’Ensemble Grünewald » autour du Consort de violes de gambe et de son répertoire du moyen-âge au baroque jusqu’aux musiques du monde et à la musique contemporaine. Un CD de musique de La Renaissance sur les compositions de Philibert Jambe de Fer a été réalisé en 2019. D’autres CD de musique baroque ont été réalisé avec l’ensemble “La Messinoise” ou l’ensemble “Le Masque”. Son dernier CD en tant que soliste de l’op. 31 de Joseph Bodin de Boismortier a vu le jour en 2019 ! Voir aussi le lien : https://youtu.be/baTmLQat2zQ

Jean-Nicolas Diatkine

Jean-Nicolas Diatkine débute ses études musicales à 6 ans. Durant ses années de formation deux rencontres seront déterminantes : Ruth Nye en 1989, professeur à l‘Ecole Yehudi Menuhin et au Royal College of Music, formée par Claudio Arrau ; et Narcis Bonet en 1994, compositeur, élève de Nadia Boulanger. Chopin conseillait à ses élèves d’écouter les chanteurs, Jean-Nicolas Diatkine l’a pris au mot et a choisi de travailler entre 1996 et 2006 comme coach dans l’école de chant d’Yva Barthélémy à Paris. En 2000, il est remarqué par la mezzo-soprano Alicia Nafé et le ténor Zeger Vandersteene qu’il accompagne lors de nombreux récitals en France, Belgique et Espagne.
Depuis 1999, il se produit régulièrement en tant que soliste en France et en Belgique, notamment dans le cycle de concerts « Autour du Piano », au Festival de piano « Pianissime », à l’Opéra Bastille, à Gand où le public le désigne comme « meilleure révélation pianistique depuis dix ans »et depuis 2011, il se produit chaque année Salle Gaveau à Paris.
En Mai 2017, il fait sa première tournée au Japon (Tokyo, Yamanashi)
Jean-Nicolas Diatkine explore dans ses récitals, un vaste éventail d’oeuvres pour piano comme les Suites de Haendel, les Préludes de Chostakovitch, la Sonate Appassionata et l’Opus 101 de Beethoven, la dernière Sonate de Schubert D.960, les Études symphoniques de Schumann, ou encore les quatre Ballades de Chopin. Son répertoire comprend également des oeuvres rarement jouées de Liszt comme Les Réminiscences de Boccanegra, sans oublier Gaspard de la Nuit de Ravel qui lui a valu les éloges de la critique en Belgique, ( « Une symbiose du lyrisme et de l’architecture », W. van Landeghem ). Son interprétation de Rameau et Debussy n’est pas enreste : « Une redécouverte de Rameau par Debussy : le voyage imaginaire d’un compositeur à la recherche de ses racines originelles, par un immense pianiste qui reste injustement méconnu du grand public. » Thierry Hilleriteau, Le Figaro

Discographie
Beethoven Sonates N°7, 23, 28 Solo Musica ,
Beethoven Sonate N°21 op.53 Schumann Carnaval op.9 Solo Musica
Schubert 4 Impromptus op.142 Brahms Sonate N°3 op.5 Parnassie Editions
Liszt Sonate en si mineur, Schumann Kreisleriana, Bonet Nocturnes Parnassie Editions
Bizet Mélodies avec Zeger Vandersteene, ténor Gents Muzikaal Archief
Duparc 16 Mélodies avec Zeger Vandersteene, ténor Gents Muzikaal Archief

Elena Atanasovska

Elena Atanasovska – Ivanovska is one of the best-known Macedonian pianists, renowned for her sophisticated sound and elegant expression, as well as her energy, evident from the number of her performances both in Macedonia and abroad. She has won numerous awards in both national and international competitions and has performed in many countries around the world like USA, Italy, France, Spain, Portugal, Russia, Greece, Serbia, Bulgaria, Bosnia and Herzegovina, and Kosovo, both as a soloist and a chamber musician, in collaboration with many prominent artists (Sergej Petrov – Russia, Jan Jakub Bokun – Poland, Pierre Génisson – France, Terry Rhodes – USA, Gordana Josifova – Nedelkovska – Macedonia).

She performed at several concerts with the Macedonian Philharmonic Orchestra and on many international and domestic music festivals “Festival de Musica do Palacio da Bolsa” – Portugal, “Festival de Musica de Sant Pere de Rodes” – Spain, “Carniarmonie” – Italy, “Saraevska Zima” – Bosnia and Herzegovina, “Guarnerius, Centar lepih umetnosti Jovana Kolundzije” – Serbia, “Ohrid Summer Festival”, “Skopje summer festival”, “Days of Macedonian music” etc. She collaborated in many projects of F.A.M.E.’S during recording sessions of movies music. By invitation from music school “M. Balakirjev” in Moscow, she participated as a member of the jury of the international competition for Slavic music in Moscow, Russia.

From her several recordings, the latest one is a CD published by DUX – Poland with music from the Swedish royal dynasty Bernadotte. She graduated with honors from both her postgraduate and doctoral studies in the class of eminent Russian professor Boris Romanov, at the Faculty of Music in Skopje, where she is currently employed as Ph.D. professor.

Delphine Armand

Delphine Armand est reçue au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris (CNSMDP) dans la classe de Bruno Rigutto pour le piano et de Daria Hovora pour la musique de chambre. Elle obtient quelques années plus tard ses masters de piano (classe d’Hortense Cartier-Bresson), de musique de chambre (avec Claire Désert), de direction de chant (auprès d’Erika Guiomar) et de pédagogie.

Lauréate de concours internationaux (Acquaviva delle Fonti, « Piano campus » d’argent), elle se produit en soliste et en musique de chambre dans des festivals français (Piano en Saintonge, Chopin à Nohant, festival Ravel, etc.) aussi bien qu’étrangers (notamment aux Pays-Bas (Dordrecht, Groningen) et en Italie (Bari, Acquaviva delle Fonti)).

Avec la pianiste Yun-Ho Chen elle forme le duo « Y’voir » de deux pianos et piano quatre mains. Les deux pianistes créent leurs propres transcriptions et s’attachent à mélanger les arts : elles se sont ainsi produites au théâtre du Châtelet avec une troupe circacienne et travaillent actuellement avec la conteuse Mariane Sytchkov autour du « Le singe pèlerin ». Pont sonore entre l’Asie et l’Europe, ce spectacle fait entendre des créations contemporaines mais également des arrangements du duo d’œuvres occidentales du début du XXème siècle (Stravinsky, Debussy, Ravel). Dans une quête perpétuelle d’excellence, le duo se démarque au concours 2015 de l’ARD de Munich en obtenant le prix Bärenreiter et celui de la radio.

Titulaire du certificat d’aptitude (CA), Delphine est professeur de piano et accompagnatrice au CRR de Saint Maur des Fossés et est régulièrement invitée en tant que jury dans différents concours (CNSM de Lyon, CRR Créteil, CRD Romainville, etc).

https://www.duoyvoir.com/

Sylvain Haderlé

Né à Nîmes, Sylvain Haderlé est un pianiste français résidant en Suisse. Après des études aux Conservatoires de Nîmes et Montpellier et plusieurs prix de concours de piano, 2ème prix concours Ravel-Granados, 1er prix espoir et 1er prix jeune talent au concours de Montrond-les- bains, il se perfectionne au Conservatoire de Boulogne-Billancourt dans la classe d’Hortense Cartier-Bresson puis dans celle de Nicolas Mallarte.

L’effervescence parisienne lui permet d’englober la pratique du piano dans une vision plus large de la musique au travers des multiples classes d’érudition qu’il fréquente : 1ers prix d’écriture et d’harmonie au clavier dans la classe d’Isabelle Duha, classe d’analyse d’Alain Louvier, master d’Histoire de la musique au CNSM, accompagnement chorégraphique au CNSMtout en poursuivant l’étude de son instrument : 1er prix Soliste en Sorbonne, concerts avec orchestre

Il étudie à la Haute Ecole de musique de Genève entre 2016 et 2021 dans les classes de Marc Pantillon et Cédric Pescia. En 2019 il participe au concours international de piano Clara Haskil de Vevey. Titulaire d’un Master de Pédagogie depuis 2021, il est nommé la même année professeur de piano au Conservatoire de Fribourg.

Stephane Ginsburgh

BIOGRAPHIE

Stephane Ginsburgh dont on loue le jeu impliqué ainsi que l’audace a donné des récitals en soliste et en musique de chambre dans le monde entier et s’est produit dans de nombreux festivals internationaux tels qu’Ars Musica, Quincena Musical, ZKM Imatronic, Agora, Bach Academie Brugge, Ultima Oslo, Darmstadt Ferienkurse, Gaida (Vilnius), Warsaw Autumn, Musica Strasbourg et Klara Festival. Il se produira cette saison aux Nuits Botanique, à Ars Musica, à l’Accademia Chigiana et au Festival Musique Action.

Infatigable arpenteur du répertoire mais aussi explorateur de nouvelles combinaisons alliant voix, percussion, performance ou électronique, il s’est dédié très tôt à la musique contemporaine tout en développant un vaste répertoire classique. Il joue régulièrement au sein de l’ensemble Ictus sous la direction de George-Elie Octors, a collaboré avec de nombreux compositeurs tels que Frederic Rzewski, Jean-Luc Fafchamps, Stefan Prins, Alec Hall and Matthew Shlomowitz, dont il a créé des œuvres, ainsi qu’avec des chorégraphes et des plasticiens. Féru de performances immersives, Stephane Ginsburgh a notamment donné l’intégrale des sonates pour piano de Prokofiev ou les six dernières sonates de Beethoven en une soirée. Il se produit avec des partenaires tels que l’altiste Garth Knox, la soprano Sarah Defrise, la basse Shadi Torbey, le percussionniste Miquel Bernat et le flûtiste Manuel Zurria.

Stephane Ginsburgh a enregistré Feldman, Duchamp, Satie, Fafchamps pour Sub Rosa. Il a également enregistré deux pièces de David Toub en première mondiale pour World Edition. Son intégrale des Sonates pour piano de Prokofiev a été publiée en 2015 chez Cypres records. En 2018, Grand Piano/NAXOS a publié la première mondiale du « Bad-Tempered Electronic Keyboard », un cycle de 24 Préludes et Fugues du compositeur et écrivain Anthony Burgess. En 2019, le label autrichien Kairos a publié un film de « Piano Hero » sur un album Stefan Prins. Ses derniers enregistrements publiés par Sub Rosa sont consacrés aux pièces pour plusieurs piano de Julius Eastman et au répertoire pour speaking pianist de Frederic Rzewski.

Après avoir obtenu un master en musique au Conservatoire, il a suivi les cours de Paul Badura-Skoda, Claude Helffer, Jerome Lowenthal et Vitaly Margulis. Il est lauréat du concours Tenuto BRTN 1995 et a reçu en 1999 le prix Pelemans de l’Union des compositeurs belges pour son implication dans la création de musiques contemporaines belges. Il a fondé en 1998 le Bureau des Arts devenu Sonar (en 2011), un espace d’expression pluridisciplinaire dont il a été directeur jusqu’en 2018. Il s’implique dans l’organisation de cycles de concerts à laquelle il donne une dimension politique. Il a également été directeur arstistique du Centre Henri Pousseur, studio de musique mixte et électronique basé à Liège, de 2010 à 2013.

Il a enseigné le piano et la musique de chambre aux Conservatoires Royaux de Bruxelles, Liège et Mons. il est actuellement professeur à l’Institut Dalcroze à Bruxelles. Il est bachelier en philosophie des sciences de l’Université Libre de Bruxelles et docteur en Art de la Vrije Universiteit Brussel et Koninklijk Conservatorium Brussel.

Julie Horreaux

Après des études de littérature et de philosophie, Julie Horreaux se consacre au chant, qu’elle étudie auprès de Peggy Bouveret, professeur au C.N.S.M. de Paris, puis au Sweelink Conservatorium Van Amsterdam. Elle étudie également l’Art Lyrique au conservatoire du Xème arrondissement de Paris, où elle obtient une première médaille à l’unanimité en 2005.

Passionnée de musique ancienne, elle en étudie l’interprétation auprès de Paul Eswood et Howard Crook, et pour la musique française, Jean Saint-Arroman. Elle se produit comme soliste ou choriste, dans les ensembles suivants : Le Concert d’Astrée, dir. Emmanuelle Haïm, Le Concert Spirituel, dir. Hervé Niquet, La Simphonie du Marais, dir. Hugo Reyne, La Compagnie Baroque, dir. Michel Verschaeve, Les Demoiselles de Saint-Cyr, dir. Emmanuel Mandrin… Elle se produit aujourd’hui essentiellement en récital et comme soliste d’oratorio.

Elle se consacre également à l’écriture de spectacles mêlant théâtre, musique et poésie. En 2009, elle fonde la Compagnie Soleil de Nuit, véritable petit laboratoire artistique, d’où sortent successivement quatre créations :  »Prévert à tue-tête »,  »Bouteilles à la mer »,  »Zazie dans le métro, Ze muZical » et  »Octobre, d’après Jacques Prévert ». Le premier disque de la Compagnie, consacré aux chansons de Prévert et Kosma est sorti en 2015 au Label Anima Records. Le prochain concert de la compagnie, consacré aux chansons de Barbara, fera également l’objet d’un enregistrement discographique.

Diplômée d’Etat en chant, elle enseigne conservatoires de Garges-lès-Gonesse et de Roissy-en-France Elle a également enseigné aux conservatoires de Vanves et Chelles, ainsi que dans différentes académies d’été : Groix, Colombes. Elle a encadré des ateliers pour le Conservatoire du XXè arrondissement de Paris, et intervient en théâtre et comédie musicale pour plusieurs structures artistiques et/ou pédagogique : théâtres, écoles, collèges…

Son enseignement, inspiré des écoles italienne et américaine, est très axé sur le rapport au corps (posture, souffle, proprioception), mais aussi sur la voix  »naturelle », théâtrale.

Gabrielle Philiponet

http://www.gabriellephiliponet.com/

Née à Albi, flûtiste et violoncelliste de formation, Gabrielle Philiponet étudie le chang avec Daniel Ottevaere. Après avoir étudié à l’Opéra Studio de La Chapelle Musicale Reine Elisabeth, elle est lauréate du prestigieux Concours Reine Elisabeth de Bruxelles

Reconnue comme l’une des sopranos lyriques françaises les plus en vue de sa génération, son vaste répertoire s’étend de Mozart à la musique contemporaine.

Ambassadrice du répertoire opératique français, Gabrielle débute à l’Opéra de Paris avec Frasquita (Bizet, Carmen), un rôle qu’elle endosse également au Bayerische Staatsoper et au Festival d’Aix-en-Provence. Elle interprète Micaëla à Metz et à Lille et incarne Leïla (Bizet, Les Pêcheurs de Perles) à l’Opéra de Lille et à l’Opéra de Nice. Elle fait ses débuts dans Marguerite (Gounod, Faust) à l’Opéra de Saint-Etienne et s’illustre dans Plautine (Rameau, Le Temple de la Gloire) avec le Philharmonia Baroque Orchestra de San Francisco. Elle chante Cendrillon de Massenet à La Monnaie de Bruxelles et au Grand Théâtre de Luxembourg, et L’Enfant et les Sortilèges de Ravel avec l’Orchestre Symphonique de Montréal.

Gabrielle travaille avec de chefs tels que Kent Nagano, Roberto Rizzi-Brignolli, Alain Altinoglu, Karel Mark Chichon, Andreas Spering, Hervé Niquet, Roland Böer, Laurent Campellone, Pascal Verrot, Roberto Forés-Veses et Paul Goodwin.
Elle interprète les principaux rôles de soprano du répertoire romantique : Magda dans La Rondine de Puccini à l’Opéra National de Lorraine et Lauretta dans Gianni Schicchi avec l’Orchestre National de Belgique au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles. Elle tient le rôle de Mimì dans La Bohème en tournée en Espagne et aborde Musetta dans ce même opéra à Marseille, Metz, Massy et dans le cadre de l’émission « Musique en Fête » aux Chorégies d’Orange, diffuséee direct sur France 3 et sur France Musique. Elle reprend son rôle fétiche Violetta dans La Traviata de Verdi à Paris, à la New Orleans et à Massy entre autre villes et récemment Desdemona dans Otello de Verdi à l’Opéra de Saint-Etienne.
Parmi les moments forts de sa carrière, on peut citer également les rôles mozartiens de Donna Anna (Don Giovanni) à Angers-Nantes Opéra et à l’Opéra Grand Avignon, Fiordiligi (Così Fan Tutte) à l’Opéra de Rouen Normandie et Susanna (Le Nozze di Figaro) à l’Opéra National de Lorraine. Elle chante Adina (Donizetti, l’Elisir d’Amore) au Théâtre du Capitole de Toulouse et à l’Opéra de Nice, Corinna (Rossini, Il Viaggio à Reims) à Bordeaux, Toulouse, Nice, Marseille, Montpellier, Nancy, et Vichy

Dans le répertoire de la musique sacrée, elle s’illustre aux côtés de l’Orchestre National de Lille dans le Stabat Mater de Rossini et dans Sept répons des ténèbres de Poulenc, et campe Gabriel et Ève dans La Création de Hayden.
Elle chante la 9ème Symphonie de Beethoven avec l’Orchestre National de Lyon dirigé par Ben Glassberg.

Clémence Barrabé

Après des études de violon, de chant et d’art dramatique, Clémence Barrabé se perfectionne auprès de Daniel Delarue. Elle se produit dans divers spectacles, participe à plusieurs concours internationaux, et obtient, entre autre, à Marmande le Prix de Jeune espoir.

Clémence Barrabé est alors l’invitée de Gaëlle Le Gallic dans l’émission « Génération jeunes interprètes ».Elle participe à différents Festivals (Pablo Casals de Prades).

Révélation classique de l’Adami 2010, elle chante le rôle de Barbarina (Le Nozze di Figaro) au Grand Théâtre de Tours et au Grand Théâtre de Reims ainsi que celui d’Elisetta (Il Matrimonio Segreto) à l’Opéra de Rennes.

Elle interprète les rôles de Despina (Cosi fan Tutte) à l’Opéra de Nancy, Adina (L’Elisir d’Amore) à l’Opéra de Massy, Karolka (Jenufa) à l’Opéra de Lille et à l’Opéra d’Avignon, et Servilia (La Clemenza di Tito) à l’Opéra de Marseille.

Plus récemment, elle interprète le rôle de Gabrielle (La Vie Parisienne) à l’Opéra de Marseille et celui de Donna Anna (Don Giovanni) à l’Opéra de Saint-Etienne.

https://www.agenceartistiquecedelle.com/clemence-barrabe

Eugenio Romano

Eugenio Romano

contrebassiste

Né à Fiesole (Italie), Eugenio Romano débute la musique par la pratique du piano. Il poursuit ensuite ses études en contrebasse et composition au Conservatoire Luigi Cherubini de Florence. Il se perfectionne auprès de Franco Petracchi à Cremone, d’Alberto Bocini à l’HEM de Genève avant d’intégrer la classe de Cédric Carlier au Conservatoire Supérieur de Lyon où il obtient un master avec mention très bien à l’unanimité du jury.

Il a été contrebasse co-soliste de l’Orchestre Luigi Cherubini dirigé par Riccardo Muti et a joué sous la direction de chefs d’orchestres et solistes d’exception tels que Claudio Abbado, John Axelrod, Tugan Sokhiev, Bertrand de Billy, Ono Kazushi, Tomas Netopil, Lang Lang, David Garrett, Alexander Lonquich, Mario Brunello, Emmanuel Pahud.

Il a collaboré avec l’Orchestre de l’Opéra de Lyon, l’Orchestre Philharmonique de Strasbourg, l’Orchestre National du Capitole de Toulouse, l’Orchestre National Avignon Provence, l’Orchestre de l’Opéra de Toulon.

Titulaire du Certificat d’Aptitude, Eugenio Romano enseigne à ce jour la contrebasse et la musique de chambre au Conservatoire de Montauban.

 

Blerim Grubi

Started his first viola classes in his birthplace, where he went on to “Ilija Nikolovski Luj” music school. His mentor there was Prof. P. Nikolov. His further studies were at the Faculty of Music Arts in Skopje, where his mentor was Prof. L. Gospodinov. He graduated in 1989. He continued his postgraduate studies for viola at the same faculty, finishing in 1999. Except his postgraduate classes he also had a master class course in the Chigana Academy in Sienna, Italy in 1995 in Juri Basmet’s class. After finishing his studies, he started working in the Macedonian Philharmonic Orchestra. During the 80’s he was the leader of the viola group in the Orchestra of Youth Music Room in Skopje, which was conducted by A. Surev.

Blerim Grubi had many appearances as a soloist and member of all kinds of chamber music ensembles. In doing so, he was active in Macedonia’s cultural life. Some appearances that are worthwhile mentioning are: recitals in the “Days of Music” festival (in 1988, 1989, 1990, 1991, 2001 and 2003) and the FAM festival in Skopje in 1989. In the same year, Blerim Grubi was the representative from Macedonia in the young string instrument player’s meeting that took place (at the federal level, of ex-Yugoslavia) in Osijek at the “Franjo Krežman” concert. He took part in the concert dedicated to UNICEF in Skopje, with a recital. He also had two recitals in the “Summer of Skopje” and “Summer of Ohrid” international festivals.

During his study years, Grubi took part in the “Meetings of the Music Academies” in Ljubljana (in 1988 and 1989), in Sarajevo (in 1991) and in Prishtina (in 1990). He was also the member of the Skopje Trio, with which he had some concerts in Macedonia and Kosova during 1987 to 1989. In the beginning of the 90’s, Grubi had recitals in Skopje and Kumanovo. Soon after he began to have solo performances with the orchestra, one of the first being the solo concert with the Philharmonic Orchestra of Macedonia in 1994, conducted by Surev. In that year he had a solo concert with Tirana’s Symphony Orchestra of Opera and Ballet, conducted by E. Krantja. Around this time he concluded his postgraduate studies in Skopje, crowning them with a successful recital. At this time, Grubi started to perform chamber music with ensembles “Couperin” in Strasbourg (and four years later in Skopje) and performances in Skopje and Kumanovo with the Music Youth Quartet of Macedonia.

In 1996, Grubi had a solo concert with the Philharmonic Orchestra of the Youth of Macedonia, conducted by O. Balaburski.

In the second half of the 90’s, Blerim Grubi had appearances such as: “Këngë Jeho” festival in Struga (in 1997, 1998 and 1999), “Schubertiada” festival in Skopje (dedicated to Scubert’s 200th anniversary) in 1997, and another one dedicated to the 30th anniversary of the Faculty of Music in Skopje. He had a recital in the “Brahm’s evening” in 1997, as well as having some more recitals in Skopje and Tetovo a year later. In that year (1998) Grubi had a solo performance with the Students’ Symphony Orchestra in Skopje, which was conducted by S.Nikolovski.

1999 meant a special year in Grubi’s involvement in music (as it was for all other artists of that region) as culture life of the region was stabilized. During that time,Grubi had solo concerts with Tirana’s String Orchestra in Tetovo and Skopje, which were conducted by A. Leka, and another one in Prishtina, which was conducted by R.Tiseo.

During the last few years, Grubi had some solo concerts, among others with the Chamber music Philharmonic Orchestra (Skopje), conducted by B.Canev and String Orchestra of Kosova’s Philharmonic (Prishtina), conducted by Le Fi Fi. In Detmold (Germany) he had a concert with Detmold’s Chamber music Ensemble and soloist E.Fischer. This year he performed as a soloist with Macedonia’s Philharmonic Orchestra, conducted by B.Canev. In the “Days of Music of Macedonia” he had another solo performance with the Philharmonic Orchestra, which was conducted by C. Van Alphen. He also had two solo concerts this year: in Skopje with the “United” Philharmony, conducted by A.Leka and in Prishtina with Kosova’s Philharmony conducted by B.Lapi.

Blerim Grubi took part in important music activities in Kosova, especially after 1999, when the cultural life took off. In cooperation with S.Badivuku, M.Kaçamaku and V.Kajtazi he founded “Vivendi” ensemble, with which they had many concerts. Some particular ones are: the concert in the “Bach’s Week” in Prishtina (1999), “Platforma X Kosova” festival in Barcelona (2000), “Muzifest” contemporary music festival in Ljubljana (2000) etc. This ensemble took part in every international chamber music festival in Prishtina, which is held since 2000. During these concerts, Grubi worked with some outstanding musicians such as: Pavel Vernikov, Boris Previsic, Kevin Kenner, Roland Xhoxhi, Lejla Haxhiu-Pula, Xhevdet Sahatçiu, Arian Paqo, Antonio Gashi and Aristidh Prosi.

He is also a member of the Kosova’s “String Trio”, one of the founders of Kosova’s Philharmonic Orchestra and board member of the ArsKosova foundation- a foundation that promotes new talents and organizes musical activities in the country. Blerim Grubi is member of the “International Chamber music Festival in Prishtina” committee, founder of the Albanian Music and Ballet Artists’ Society in Macedonia as well as founder & president of the Multi Kulti festival in Skopje.

Agnès Fargier-Lagrange

Après avoir obtenu un premier prix d’orgue dans la classe d’André Isoir, au CRR d’Angers, Agnès FARGIER-LAGRANGE, se consacre définitivement au piano. Le Conservatoire de Saint Maur-des-fossés lui décerne un premier prix de piano dans la classe de Catherine Collard.Après ses études au conservatoire, sa rencontre avec Colette Zérah fut déterminante dans sa formation pianistique et musicale.

Pendant 10 ans, Agnès FARGIER-LAGRANGE fut professeur titulaire à l’ENM de Laval. Cette période lui a donné l’occasion de fait partie régulièrement de la saison musicale de Laval en musique de chambre, piano soliste mais aussi en concerto avec orchestre ( 3ème et 4ème concertos de Beethoven et 21ème concerto de Mozart….)

Titulaire du diplôme du CA pour l’enseignement du piano, Agnès Fargier-Lagrange a été professeur titulaire et coordinatrice du département « piano » au Conservatoire du XXème arrondissement de Paris pendant 15 ans. Actuellement, elle est régulièrement demandée pour participer à des jurys et des remplacements de professeurs dans les conservatoires.

Agnès Fargier Lagrange est l’initiatrice et l’organisatrice de l’association « Piano con moto » fondée en 1989. Cette association toujours très active après 32 ans d’existence permet la diffusion d’un enseignement du piano basé sur la maîtrise d’une technique corporelle mettant en relation la pratique instrumentale avec l’analyse des œuvres.

De nombreux concerts, master-classes et conférences ont été programmés par « Piano con Moto » dans des salles parisiennes.

François Tissot

Né en 1987, François Tissot obtient les prix de clarinette et de musique de chambre des conservatoires à Rayonnement Régional d’Aix en Provence avec Daniel Paloyan et de Rueil-Malmaison avec Florent Héau, puis des Conservatoires Nationaux Supérieurs de musique de Lyon et Paris avec Nicolas Baldeyrou, David Walter et Michel Moragues.
Après l’obtention du Master d’interprète avec mention très bien, il est lauréat du concours international « ICA Young Artist Competition » aux États Unis.

Clarinette Solo de l’Orchestre de la Musique de l’Air de Paris, il est régulièrement invité dans les phalanges les plus prestigieuses : l’Orchestre National de France, l’Orchestre de chambre de Paris, l’Orchestre National d’Ile de France, l’Orchestre Philarmonique de Liège, l’Orchestre Philarmonique de Radio France, l’Orchestre National des Pays de la Loire, l’Orchestre de l’Opéra de Rouen, l’Orchestre National de Lyon, l’Orchestre Besançon Franche-Comté, l’Orchestre Symphonique de Bretagne, l’Orchestre de l’Opéra de Lyon, l’Orchestre Symphonique de Région Centre-Tours, l’Orchestre de l’Opéra de Toulon, l’Orchestre Régional de Cannes, ou encore les orchestres Lamoureux, Pasdeloup et Nouvelle Europe.

Son expérience d’orchestre l’amène à jouer en Asie avec le Seoul Philarmonic Orchestra en tant que clarinette solo sous la direction de Myung-whun Chung.

Musicien aux multiples facettes, il est très souvent sollicité pour des musiques de films, ou collaborer avec des chanteurs de variétés et des artistes de jazz.
Il a déjà réalisé de nombreux enregistrements sous les labels SonyMusic, WarnerMusic, Naïve, Bis, Timpani et Indesens.
Ses activités musicales lui permettent de se produire tout au long de l’année sur les scènes de la Philharmonie de Paris, la salle Pleyel, Radio-France, le théâtre des Champs Elysées, le Palais des congrès de Paris, le Théâtre du châtelet, l’Auditorium du Louvre, la Salle Cortot..
Chambriste passionné, il est aussi membre de l’ensemble Appassionato, avec lequel il est actuellement en résidence à la Seine Musicale et la salle Gaveau.

Dans ses projets transversaux, François Tissot développe une série vidéo d’Hommages, sous le pseudonyme « Chiche », qui fait valoir la clarinette dans des styles peu explorés et qui réunit les musiciens les plus talentueux de sa génération : Jeremy Bruyère, Laurent Coulondre, Robinson Khoury, Alexis Bourguignon, Pierre-Marie Lapprand…

Animé par sa vocation d’enseignant, il est professeur au Conservatoire à Rayonnement Départemental de Chartres.

Gilles Herbillon

www.gillesherbillon.com

Natif de Lorraine (France), Gilles HERBILLON est trompettiste, pédagogue, chef d’orchestre, compositeur et plus particulièrement spécialiste des cuivres. Successivement directeur des Conservatoires de Troyes et de Reims, il a œuvré durant 22 ans pour un accès aux pratiques artistiques par un public large et une ouverture des enseignements aux répertoires les plus savants, mais également actuels et populaires. Premier prix de trompette du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, et titulaire des CA de trompette, de musique de chambre et de directeur, Gilles HERBILLON est, depuis janvier 2016, professeur de trompette au Conservatoire à Rayonnement Régional de Reims.
Pédagogue passionné, il est l’auteur de nombreux ouvrages d’enseignement, adaptés à tous les niveaux d’apprentissage et contribue, lors de conférences et stages, à alimenter la recherche pédagogique de la musique en général, et de la trompette en particulier. Compositeur côtoyant à la fois de grands artistes professionnels comme les plus fervents musiciens amateurs, Gilles HERBILLON appartient à une génération de créateurs au confluent d’esthétiques traditionnelles, modernes et métissées. Il ne se réclame d’aucun courant, hormis celui de la spontanéité et de la sincérité. Son catalogue d’œuvres compte aujourd’hui plus d’une centaine de numéros d’opus. Menant une carrière de chef d’orchestre lyrique avec RENOUVEAU LYRIQUE PRODUCTION, il aborde de grands ouvrages du répertoire, d’Offenbach à Strauss, en passant par Bizet, Mozart, Messager et Puccini.
Gilles HERBILLON dirige diverses formations orchestrales de musiciens professionnels ou amateurs. Les orchestres de jeunes et d’élèves de tous niveaux sont pour lui source de rencontres humaines et d’expériences toujours renouvelées face à ces artistes en devenir, avides de découvrir répertoires et harmonies nouvelles. De grands solistes ont salué le sens inné de ses directions, parmi lesquels on peut noter : Henri Demarquette, Renaud Capuçon, Patrice Fontanarosa, Guy Touvron, Bruno Rigutto, Laurent Cabasso, Sylvie Hue, François Leleux, Andras Schiff, François Thuillier, Hervé Joulain…
Auteur de nombreuses partitions, le catalogue de Gilles HERBILLON compte plus de 150 numéros d’opus, pour diverses formations orchestrales, vocales et chorales. Une grande partie est accessible aux éditions : Billaudot – Robert Martin – Marc Reift – Depleinvent – Fuzeau – Lafitan.
Depuis 2018, Gilles HERBILLON est 1ère Trompette de l’orchestre professionnel d’Harmonie du Grand-Est « AQUILON ».

Charline Dion

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Originaire d’Orléans, Charline Dion se forme auprès de Bruno Quétard, puis de Claire Vergnory à Rueil Malmaison où elle obtient également un Diplôme d’Etat. Elle bénéficie aussi des conseils de Michel Arrignon, Valérie Guéroult, Florent Héau, Alain Laloge et étudie la musique de chambre dans la classe de Michel Moraguès. Elle collabore avec de nombreux ensembles orchestraux et de musique de chambre au sein du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris et développe parallèlement une carrière de musicienne d’orchestre qui la fera jouer dans de nombreuses salles prestigieuses : Opéra Bastille, Philharmonie de Paris, Théâtre du Châtelet, Théâtre des Champs Elysées, Opéra Comique, Salle Gaveau, Opéra de Lille, Nouveau Siècle à Lille … Actuellement clarinettiste à l’Orchestre Symphonique d’Orléans et à l’Orchestre de Lutétia, elle est invitée par l’Orchestre National de Lille, l’Orchestre Région Centre Val de Loire, l’Orchestre Pasdeloup et l’Orchestre Philharmonique du Maroc. Après avoir enseigné dans les CRR de Versailles et Tours, ainsi qu’au CRD de Bourges, Charline Dion se consacre à présent à ses élèves du CRD de Blois (41) et est Enseignante Ressource pour le Cefedem de Rouen (76) dans le cadre de la formation au Diplôme d’Etat des professeurs de clarinette.

Sandrine Chatron

Sandrine Chatron est une harpiste curieuse et défricheuse, aux multiples facettes.

Professeur de harpe à la Haute Ecole de Musique de Genève depuis 2018, elle occupe aussi le poste de harpe solo au Nederlands Philarmonisch Orkest/Nederlands Kamerorkest depuis 2009, et enseigne au Conservatorium d’Amsterdam depuis 2012.

Diplômée du Conservatoire National Supérieur de musique de Paris en 1994, elle est lauréate des Concours Louise Charpentier (1998), de musique de chambre d’Arles (1999), et de la Fondation Banque Populaire (2000) et du Prix Tissier-Grandpierre de la Fondation de France (2019). Elle a étudié avec Gérard Devos, Marie-Claire Jamet, Frédérique Cambreling et Germaine Lorenzini.

Membre du Trio Polycordes et de l’Ensemble Calliopée, elle emprunte des chemins artistiques variés, du répertoire sur instruments historiques à la création contemporaine.

Elle a créé de nombreuses œuvres, dont celles de Pierre Boulez, Krystof Maratka, Susumu Yoshida, Ricardo Nillni, Frédérick Martin,Luis Naon, Alexandros Markeas, Robin De Raaf, Fabien Cali… En tant que soliste, elle s’est produite dans le cadre du festival Présences, au Théâtre des Champs-Elysées, au Musée d’Orsay, à Radio France et au Concertgebouw d’Amsterdam.

Soucieuse de défendre un répertoire inédit ou méconnu, elle a signé plusieurs albums solo remarqués par la critique, pour Naïve- Ambroisie, Aparté: « André  Caplet et  ses contemporains »  (2005) et « Le Salon de musique de Marie-Antoinette » (2009), « A British Promenade » (2017), et a une importante discographie en musique de chambre et en orchestre. Elle collabore avec l’Ensemble Intercontemporain, l ‘Ensemble Klangforum-Wien, Le Royal Concertgebouw Orchestra, l’Orchestre National de France, les Berliner Philharmoniker et le Lucerne Festival Orchestra, et a joué sous la direction de chefs tels Claudio Abbado, Ricardo Mutti, Georges Prêtre, Lorenzo Viotti, Sir Simon Rattle, Pierre Boulez, Daniele Gatti.

Caroline Blanpied

Caroline Blanpied débute sa formation artistique en étudiant le théâtre au Conservatoire de Grenoble auprès de Muriel Vernet et obtient son Diplôme d’Etudes Théâtrales (DET) mention très bien en 2013. C’est après avoir obtenu un rôle dans West Side Story de Bernstein produit en 2009 par la Fabrique Opéra de Grenoble, sous la direction de Patrick Souillot, qu’elle découvre le chant et décide d’entreprendre une formation lyrique au Conservatoire de Grenoble dans la classe de Nadia Jauneau-Cury. Elle obtient son Diplôme d’Etudes Musicales (DEM) avec les félicitations du jury à l’unanimité en juin 2016. Elle poursuit sa formation vocale auprès de Cécile de Boever en intégrant le Pôle Lyrique d’Excellence et se forme également auprès de divers chefs de chant tels que Fabrice Boulanger, Sébastien Jaudon, David Selig… Elle participe également à de nombreuses Masterclass, auprès notamment de Yann Beuron ou encore Antoine Palloc.
A 26 ans, la Fabrique Opéra de Grenoble, ville dont elle est originaire, lui confie son premier rôle d’opéra : Musetta dans la Bohème de Puccini. Elle lui renouvelle sa confiance l’année suivante en lui attribuant le rôle de Micaela dans Carmen de Bizet. Bien décidée à se consacrer à l’opéra, elle se voit également confier le rôle d’Adina dans
l’Elixir d’amour de Donizetti au Festival de Bazoches ainsi que le rôle d’Eurydice dans Orphée aux enfers d’Offenbach au festival de Samoëns, Europa Musa. Caroline Blanpied défendra le rôle de Juliette dans Roméo & Juliette de Gounod en juin 2021.
Désireuse de ne négliger aucun répertoire malgré son appétence pour l’opéra, elle interprète la 4e symphonie de Malher (avec l’orchestre d’Eskisehir en Turquie), le Requiem de Fauré, le Gloria et Dixit Dominus de Vivaldi, les cantates 32 et 171 de Bach ainsi que les Arts Florissants de Charpentier (avec le Jardin Musical dirigé par Christine Antoine).
Parallèlement, Caroline Blanpied poursuit son travail de metteur en scène : La Flûte enchantée de Mozart (2015), les Dichterliebe de Schumann (2016), Rigoletto de Verdi (2016), la Bohème de Puccini (2017 & 2019), Frédégonde de Guiraud/Saint-Saëns/Dukas (2017), la Traviata de Verdi (2020). Par ailleurs, Caroline Blanpied a étudié la philosophie et obtenu un Master recherche mention Bien, l’amenant à rédiger un mémoire sur l’existentialisme d’Hannah Arendt.

Jacques Saint-Yves

L’engagement musical de Jacques Saint-Yves est riche de rencontres, de confrontations artistiques auprès de musiciens d’origines culturelles très différentes.

Très attaché au répertoire musical occidental, jusqu’aux créations contemporaines, il est violon solo de l’ensemble 2E2M dès 1993, et crée de nombreuses œuvres en tant que soliste et partenaire de musique de chambre, dont plusieurs lui sont dédiées.

Il s’engage alors au sein de productions artistiques, concerts et spectacles vivants, tant en France qu’à l’étranger, auprès d’instrumentistes, de compositeurs mais tout autant d’acteurs, mimes, danseurs et metteurs en scène.

En Asie, Asie mineure, Asie centrale (Japon, Corée du Sud, Corée du Nord, Cambodge, Afghanistan, Géorgie, Turquie, …), dans les pays du Maghreb (Algérie, Maroc, …), Amériques (USA, Brésil, …) mais également en France (collaboration avec la Péniche-Opéra), il est appelé auprès de musiciens classiques, traditionnels, musiciens de jazz, en tant que partenaire et responsable de productions, créations artistiques et collaborations pédagogiques.

Ces rencontres multiples, confrontations de traditions musicales écrites, orales et improvisées, renouvellent à tout moment le regard qu’il porte sur la richesse du répertoire musical occidental.

Lauréat du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris (1er Prix de violon, musique de chambre, harmonie, contrepoint, fugue), il partage une intense activité pédagogique au sein de structures d’enseignement supérieur (CRR et CNSM de Paris, Université Paris IV La Sorbonne, …) en tant que professeur de violon, musique de chambre, écriture et analyse musicale, harmonie au clavier et direction d’ensembles instrumentaux.

Il est invité dans de nombreuses écoles et universités (France, USA, Corée, …) pour des stages et master classes.

Le Prix Georges ENESCO, décerné tous les 2 ans par la SACEM, honorant l’ensemble de l’activité internationale d’un violoniste français, lui a été remis lors de l’enregistrement de la Sonate pour violon solo de Béla Bartók (AGON).

Claire Buttin

Claire Buttin débute ses études musicales au Conservatoire de Musique de Genève dans la classe d’Alexeï Golovine avant d’intégrer la Musikhochschule de Freiburg im Breisgau dans la classe de Michael Leuschner. A la fin de ses études, elle retourne en France pour se perfectionner auprès de la grande pédagogue Réna Shereshevskaya. Sous l’impulsion de celle-ci, elle décide de créer un duo avec le pianiste Charles Offenstein. Ils travaillent ensuite sous la tutelle de Paul Coker et gagnent différents prix, « Concours de piano de Brest » – 1er prix 2011, « Concours Internationnal Musical de France »- 1er prix section virtuosité 2018. La même année, ils sont sélectionnés pour participer au Concours International de Piano Duo Chopin de Bialystok en Pologne. Intéressés par de nouveaux répertoires, ils créent en 2019 pour la première fois en France la sonate pour 4 mains de Carl Vine. Après avoir mené plusieurs projets en partenariat avec des institutions culturelles et l’éducation nationale, ils se lancent dans la création d’un spectacle alliant les arts du cirque et la musique classique. En collaboration avec les Acroballes, le spectacle « Instant Karma – Récital de Cirque » mis en scène par Laurent Gachet voit le jour en 2017 à la Vill’A d’Illkirch-Graffenstaden. Chambriste, elle joue également en duo avec chant, trio, ou encore avec le quatuor Florestan en interprétant la version pour piano et quatuor à cordes de l’Andante Spianato et grande Polonaise Brillante de F. Chopin. Claire s’intéresse également au répertoire de musique contemporaine et se produit plusieurs fois à l’Auditorium du Musée d’Art Moderne de Strasbourg notamment dans des œuvres pour piano et bandes sonores de Katharine Norman et Jason Bolte. A la suite de ses études dans l’administration culturelle, elle devient en 2014 la directrice artistique d’Alcor qui produit une saison de musique classique en Alsace. En septembre 2019, elle est nommée professeur de piano et conseillère pédagogique des départements piano et accompagnement au CRR de Bordeaux.

Evgeny Novikov

 

Né à Novossibirsk (Russie) et résident en France depuis 2006, Evgueny Novikov prend ses premiers cours de saxophone à l’école de musique de Novossibirsk. Il obtient en 2008 la médaille d’or à l’unanimité avec félicitations du jury dans la classe de Nicolas Prost au Conservatoire de Saint Maur. Deux ans plus tard, il reçoit le Prix à l’unanimité avec félicitations du jury dans la classe de Vincent David au Conservatoire de Versailles. Poursuivant son perfectionnement au Conservatoire Supérieur d’Amsterdam (Pays-Bas) dans la classe d’Arno Bornkamp, il obtient le diplôme de Master de musique avec excellence en 2014. Il est lauréat de plusieurs compétitions internationales, notamment le 5ème Concours International Adolphe Sax (Dinant, Belgique) le Concours International de saxophone de Dreux (France), et le Concours International de Saxophone Jean-Marie Londeix (Bangkok, Thaïlande). En 2016 Evgueni remporte le I Prix de Concours National de Musique de Russie (Moscou). En 2015-2017, il se perfectionne au Conservatoire National de Musique et de Danse de Paris – Diplôme d’Artiste Interprète (répertoire contemporain et création).
Evgueny Novikov s’est produit au sein l’Académie Nationale de l’Opéra des Pays-Bas, l’Orchestre Philarmonique de la Haye, l’Orchestre Philarmonique de la Radio, l’Orchestre Philarmonique de Rotterdam, Orchestre Tchaikovsky de Moscou et bien d’autres. Il est le membre fondateur du Quatuor des saxophones Keuris, avec lequel il remporte en 2015 le Premier prix de Premier Concours International de quatuor de saxophones « SaxOpen » (Strasbourg, France), et le Deuxième Prix de Concours de Musique de Chambre M-Prize 2017 (Ann Arbor MI, Etats-Unis). Evgueny est en collaboration permanente avec « Insomnio – l’ensemble pour la musique contemporaine » (Utrecht, Pays-Bas), et New European Ensemble (La Haye). En 2017, Evgueny a fait ses débuts avec l’Ensemble InterContemporain au Conservatoire de Paris lors d’une creation d’Alex Nante. Il est lauréat de la Fondation Meyer et de la Fondation Société Générale. Evgueny est le professeur de saxophone au Conservatoire municipale de la ville de Noyon (60), CRR de Saint-Maur-des-Fossés (94) et au Conservatoire Jean-Baptiste Lully de la ville de Puteaux (93).

Thierry Miroglio

Virtuose de la percussion, Thierry Miroglio mène, depuis plusieurs années,
une brillante carrière soliste où il est invité à donner des récitals et concerts dansune quarantaine de pays, salles et festivals prestigieux de la Philharmonie de Berlin, Biennale de Venise à Paris et Vienne, de Sao Paulo, Pekin et Mexico àHong Kong et Tokyo. Il est actuellement l’un des très rares percussionnistes mondiaux à avoir une telle activité soliste, avec un répertoire de plus de 400 oeuvres solo et concertantes. De nombreuses Radios-Télévisions françaises ou étrangères réalisent des productions avec sa participation et il a enregistré
plusieurs CDs en soliste pour différents labels français et étrangers, le dernier
« World of Percussion » paru chez Naxos. Depuis plusieurs années, il travaille en collaboration avec des compositeurs comme Cage, Berio, Donatoni, Denisov, Teruggi, Nobre, Risset,Stroppa, Nodaira, Grisey, Unsuk Chin, Chagas, Fernandez,Hayden, Jolas, Xu Yi, Mochizuki, Saariaho, Manoury, Fedele, Dufourt… créant nombre de leurs pièces dont plusieurs lui sont dédiées. Il réalise ainsi des récitals où se mêlent Musique, Electronique, Arts Visuels et numériques , dans lesquels différentes formes artistiques -Danse,Théâtre – se croisent et des oeuvres concertantes, accompagnées par des orchestres prestigieux comme laComunidad Madrid, OSESP, national de Colombie, Sinfonica Nacional du Brésil, Nazionale del Lazio/Santa Cecilia Rome, sinfonica Paraiba, Taiwan philharmonic, Orchestra del Trentino, estado Goias, Solistes de Monte Carlo, Macao String Orchestra, Ensemble Orchestral Contemporain, Hong Kong City Chamber….Professeur au Conservatoire D.Milhaud à Paris, Th. Miroglio est invité à donner des masterclasses et conférences en Europe, Asie, Afrique du Sud, Etats-Unis. Il a travaillé la Percussion auprès des deux solistes Sylvio Gualda et Jean-Pierre Drouet (Prix au Conservatoire National de Versalles) ainsi que l’Acoustique musicale avec I. Xenakis à la Sorbonne.
www.thierrymiroglio.com

Emmanuelle Verger

Emmanuelle Verger est née à Clermont-Ferrand (Auvergne). Après avoir obtenu la médaille d´or en violoncelle au C.N.R. de sa région, dans les classes de Sylvie Cagnoncle et Lionel Michel, elle partit étudier au Conservatoire National de Musique de Boulogne-Billancourt à Paris, dans la classe de Xavier Gagnepain. Elle obtint son prix de violoncelle en supérieur à l´unanimité, ainsi que deux prix à l´unanimité en musique de chambre, dans les formations quatuor à cordes et trio avec piano. Ses professeurs furent Hortense Cartier-Bresson et Christophe Poiget. Ensuite, elle poursuivit sa formation avec Ivan Chiffoleau (Perfectionnement), professeur au Conservatoire National Supérieur de Lyon. Elle obtint une formation très complète en solfège, harmonie et histoire de la musique.

Emmanuelle partit à Berlin dans la classe de Joseph Schwab et obtint son diplome de violoncelliste avec mention très bien, à la Musikhochschule Hanns Eisler. En supplément, elle passa son diplome de professeur de violoncelle et l´obtint mention très bien, à l´université des artistes de Berlin (UDK).

Elle participa à de nombreuses master class internationales avec les professeurs Michel Strauss, Florian Lauridon, Jean.Marie Trotereau, Stefan Forck, David Geringas et Boris Pergamenschikov.

Pédagogue, musicienne titulaire de son poste à Berlin, soliste et chambriste internationale, elle participa à de nombreux projets de concerts et enregistrements radio comme le concerto de Dvorak avec Orchester, une symphonie de Joseph Haydn sous la direction de Nikolaus Harnoncourt à la salle philharmonique de Berlin ainsi qu´au Neuköllner Oper. Formatrice à l’Universität der Künste, Hochschule et Professeur pour les violoncelles et contrebasses au L.J.E Neue Musik.

Un point fort de sa vie artistique est son engagement dans la pédagogie du violoncelle et de la musique de chambre. A coté de ses nombreuses expériences dans les Conservatoires de Neukölln, Steglitz-Zehlendorf, l´école de musique franco-allemande de Berlin, elle a été titularisée à la Musikschule de Charlottenburg. Chaque année, elle présente brillamment ses élèves au concours » Jugend Musiziert. » Ses élèves obtiennent des prix au niveau national. Au sein du conservatoire, elle est également responsable des élèves qui se destinent à devenir professionnels. Elle les prépare avec succès aux écoles supérieures (Musikhochschulen) de différentes villes d’Allemagne.

Philippe Raynaud

Ateliers : (24 au 31/07) : Offert à chaque stagiaire

Improvisation

L’improvisation, en groupe,  est probablement une pratique qui permet de vivre l’intensité de la musique – éphémère –  au plus profond de soi, générant des interactions avec les autres musiciens, en s’appuyant sur une écoute et une réactivité aiguisées.

 

Compositeur en résidence

Possibilité pour chaque stagiaire de travailler des œuvres de Philippe Raynaud avec le compositeur. Partitions sur demande ou le site http://www.philipperaynaud.eu/

 

 

Elève de Michel Decoust, encouragé par Henri Dutilleux, sa démarche de composition demeure essentiellement guidée par la passion du phénomène sonore.

Son catalogue comporte des œuvres vocales, de musique de chambre, pour instruments solistes (dont un cycle pour instruments anciens),  des pièces électroacoustiques et des musiques de ballet. On lui doit également un opéra-ballet, « le géant égoïste » sur un livret d’Olivier Schneebeli d’après un conte d’Oscar Wilde ainsi qu’un Oratorio (commande du CMBV).

Il a travaillé à de nombreuses reprises avec Andrée Chédid et mis plusieurs de ses œuvres poétiques en musique, collaboré avec les chorégraphes Odile Azagury, Gilka Beclu-Geoffray, Isabelle Marion et participe régulièrement à des « performances » le liant à son ami peintre Philippe Ségalard.

Il a toujours relié son activité de compositeur à ses missions pédagogiques  assumées dans divers établissements (Toulouse, Evry, Chartres, Trappes, et Versailles) où il été amené à diriger différents ensembles instrumentaux et vocaux ainsi que des formations orchestrales dans des répertoires variés 

Il a par ailleurs, en qualité d’ondiste, joué en soliste avec plusieurs orchestres. Il mène une carrière internationale d’interprète (ondes Martenot) jusqu’en 1985 et se voit décerner au sein du Sextuor Jeanne Loriod le Grand Prix du disque pour le double album sorti à l’occasion du 50ème anniversaire des ondes Martenot.

Alexandre Tkaboca

Alexandre Tkaboca

Alexandre Tkaboca
Ne a Grasse, Alexandre a obtenu son Bachelor de pedagogie au
Conservatoire Superieur d’Amsterdam dans la classe de Vincent
Cortvrint, ainsi que son Master d’Orchestre, dans la classe de Kersten
McCall. Il a aussi ete elève de Michel Bellavance a la Haute Ecole de
Musique de Genève, dans le cadre d’un Echange ERASMUS.
En parallèle, il a joue dans differents Orchestres (Orchestre
symphonique de Cannes Provence Alpes Cote d’azur, Orchestre des
Flûtes d’Azur, Ensembles Akom et Opus Opera, KurchOrchester de
Bad Kissingen) et Orchestres de Jeunes (Flûte Solo et Piccolo Solo
aux Orchestres des Jeunes de la Mediterranee et des Pays-Bas).
Alexandre poursuit actuellement son cursus de Master de pedagogie a l’HEMU de Lausanne, et est professeur a l’ecole de musique “l’Avenir” du Mouret (Fribourg), et a l’ecole de musique “Ecomuse” du Mont-sur-Lausanne.
Alexandre propose des cours de flûte traversière tous niveaux et tous âges, et peut egalement au besoin enseigner la flûte a bec aux debutants. Ses cours sont au bâtiment de l’ecole, ou a domicile.

 

Born in Grasse, Alexandre obtained his Pedagogical Bachelor in
Amsterdam Conservatorium, in Vincent Cortvrint’s class, as well as his
Orchestral Master, in Kersten McCall’s class. He was also studying with
Michel Bellavance at the Geneva’s HEM, during an Eramsus exchange,
and with José-Daniel Castellon at Lausanne’s HEMU.
Alexandre did also play in several orchestras (Cannes-Provence-Alpes-
Cote-d’Azur, Bad Kissingen, Geneva’s Landswehr, Flûtes d’Azur), youth
orchestras (Mediterranean, Dutch youth orchestras), and Ensembles
(Akom, Canal City Flute Quartet, Opus Opéra).
Currently completing is Pedagogical Master at Lausanne’s HEMU, and
teaching Flute and Musical Initiation at the International School of Lausanne, and at “l’Avenir”
Music School in Le Mouret (Fribourg), Alexandre proposes Flute and Musical initiation for all ages and all levels: children and aldults are welcome!

Thomas Dupont

Thomas Dupont est actuellement professeur de piano au conservatoire de Beaulieu sur mer et Cap d’ail après avoir enseigné au conservatoire de Genève.

il commence le piano à l’âge de 6 ans au C.R.R. de Nice et obtient son D.E.M. mention très bien à l’unanimité à 16 ans.

En 2019, Thomas obtient son master de piano Mention très bien dans la classe de Marie-Josèphe JUDE et Prisca BENOIT au CNSM de Paris ainsi qu’un DE de professeur de piano.

Passionné depuis l’enfance par la direction d’orchestre, il a obtenu en 2016, le diplôme de direction d’orchestre mention très bien à la Schola Cantorum dans la classe d’Adrian McDonnell.

Il s’est produit au festival Marcel Proust à Cabourg, au festival Musicora à la Villette à Paris, à la cathédrale Notre Dame de la Treille à Lille, au Majestic-Barrière à Cannes, à l’église Sainte Hospice de Saint Jean Cap Ferrat, aux Adrets de l’Estérel, au Casino de Beaulieu et il a notamment joué en tant que chambriste, à deux reprises, aux concerts préludes à la Philharmonie de Paris.

Depuis 2018, il participe à la mise en place d’un programme de formation pour les jeunes interprètes des Émirats Arabes Unis.

Lors de master-class, Il a profité des conseils de Hortence Cartier-Bresson, Shani Diluka, Olivier Gardon, Gabriel Tacchino, Philippe Bianconi, Pascal Devoyon, Jay Gottlieb et Bruno Rigutto.

Francois Poly

Violoncelliste, François Poly accomplit un cycle d’études complet au CNSM de Paris dans la classe de violoncelle de Jean-Marie Gamard, et poursuit un cycle de perfectionnement dans celle de musique de chambre, avec Bruno Pasquier. Il est également élève, plus tard, de Christophe Coin, pour une spécialisation vers le violoncelle baroque.

Titulaire du certificat d’aptitude, il enseigne le violoncelle pendant quinze ans au CRR de Cergy-Pontoise avant d’être nommé professeur de musique de chambre au CRR de Versailles. Il retrouve ainsi son emploi pédagogique de prédilection, ayant commencé sa carrière par l’enseignement de la musique de chambre à l’ENM de Bourg-la Reine.

Ayant dès ses études axé sa pratique musicale naturellement vers la musique de chambre, il fonde d’abord le Trio Wozzeck avev Valérie Bautz, piano, et Nicolas Miribel, violon, et remporte en 1992 le second prix au concours international de Graz (Autriche). Il reçoit alors l’enseignement de deux grands maîtres allemands, Walter Levin (Quatuor Lasalle) et Hatto Beyerle (Quatuor Alban Berg), plus particulièrement autour du répertoire viennois classique et romantique.

Il participe très fidèlement à l’ensemble de musique baroque « Les Folies Françoises » de Patrick Cohen-Akenine depuis sa fondation en 2000, et rejoint également très régulièrement plusieurs ensembles allemands et autrichiens, ainsi le trio à cordes graves  » Le tre C' » avec Imke Frank, violoncelle, et Patrick Juedt, alto, et le quatuor Epos, avec Christine Busch et Verena Sommer, violons, et Klaus Christa, alto.

Il se consacre volontiers à l’arrangement et à la transcription et participe, notamment à la réécriture de parties intermédiaires dans le style français pour quelques Sinfonies extraites des « soupers du Roy », de Michel Richard De Lalande, jouées sous la direction de Patrick Cohen-Akenine, dans la Galerie des glaces, au château de Versailles

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Hélène Boulègue

Premier prix du Concours International de Flûte de Kobe 2017, deuxième prix du Concours International du Printemps de Prague 2015, la flûtiste française Hélène Boulègue, est fascinée par la musique du compositeur André Jolivet ( 1905-1974) . Elle a enregistré l’intégrale de ses œuvres pour flûte pour le label Naxos. A cette occasion, la qualité de ses interprétations a été aclamée par la presse, comme dans le quotidien Le Monde ou le BBC Magazine. La revue américaine Flutist Quarterly écrit à son propos « les performances d'[Hélène] Boulègue font preuve d’un prodigieux contrôle du son et de la technique. Son attachement à la substance et l’esprit crée une interprétation de ces œuvres magnifiquement ouvragée. »

La saison dernière a été pleine de nouvelles expériences pour Hélène : concerts et master classes à Taiwan et en Suède, participation, pour la première fois, en tant que membre du jury à un concours international (Theobald Böhm Wettbewerb). Sans la pandémie, elle aurait également joué ses premiers concerts en Espagne et en Norvège. Par ailleurs, la fin de saison aurait dû être marquée par son retour aux USA pour la prestigieuse convention de la flûte de la NFA, ainsi que par sa deuxième participation à l’académie d’été Music On Seashore au Portugal en tant que professeur. Le second volume de son intégrale des œuvres de Jolivet est paru en mars 2020 et a été récompensé d’un Supersonic Award par Pizzicato magazine.

Lauréate des plus grands concours internationaux, Hélène Boulègue s’est produite dans des endroits et des circonstances variés. Elle a joué de nombreuses fois au Japon, récitals, concerts de musique de chambre ou en tant que soliste avec le Tokyo Symphony Chamber Orchestra puis le Kobe City Chamber Orchestra sous la direction de Maestro Masato Suzuki. Elle a donné des récitals pour le Muziekgebouw Eindhoven, le CAPE Ettelbruck et le Festival Radio France Occitanie. Son premier album a été nominé aux International Classical Music Awards 2020.

Intégrant l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg alors qu’elle n’avait que dix-neuf ans, la personnalité musicale d’Hélène s’est forgée parmi des influences multiculturelles, au contact des musiciens très différents et inspirants que sont ses collègues. Anciennement flûte solo au SWR Symphonieorchester, Hélène Boulègue est aujourd’hui une musicienne d’orchestre recherchée, qui a été invitée à jouer avec le Berliner Philharmoniker, le Rotterdam Philharmonic, l’Orchestre Philharmonique de Radio France, l’Orchestre National de France, l’Opéra de Lyon, MusicAeterna et l’Orchestre de Chambre d’Europe.

Hélène aime transmettre et enseigner, elle prend plaisir à donner des master classes ainsi qu’à répondre aux nombreuses questions qui lui parviennent sur ses réseaux sociaux. Par ailleurs, convaincue de l’importance de la médiation musicale, elle a une réelle expérience des concerts en maison de retraite ainsi que des ateliers scolaires. Elle a travaillé en collaboration avec le département éducatif de la Philharmonie de Luxembourg pendant plusieurs années et développé ses propres concepts de concerts participatifs pour enfants.

Quand elle ne travaille pas, Hélène échange généralement sa flûte contre une raquette de badminton ou planifie son prochain cours de japonais.

 

Laëtitia Brault

Née en 1989, Laëtitia Brault débute son apprentissage musical par le piano avant de découvrir la flûte qui deviendra très vite son instrument de prédilection. Ayant grandi dans la tradition de l’Ecole de Flûte Française, elle intègre à l’âge de 19 ans le Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris (CNSMDP) dans la classe de flûte de Pierre-Yves Artaud et Florence Souchard-Delépine, y étudie le piccolo avec Pierre Dumail et la musique de chambre avec Michel Moraguès et David Walter. Elle obtient cinq ans plus tard son Master Instrumental avec la mention Très Bien dans la classe de Philippe Bernold.

Ayant reçu les conseils de maîtres tels que Vincent Lucas, Magali Mosnier, Karl-Heinz Schütz et Emmanuel Pahud, elle est repérée lors de son concert à la IVe Convention de la Flûte Française par Sir James Galway.

Passionnée par l’orchestre, elle est membre de l’International Orchestral Academy of the Schleswig-Holstein Musik Festival (Allemagne) en 2011 et est régulièrement invitée à se produire au sein d’orchestres renommés, parmi lesquels l’Ensemble Intercontemporain, l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg et l’Orchestre de Paris. Depuis 2013, elle occupe le poste de flûtiste co-soliste à l’Opéra Royal de Wallonie à Liège, sous la baguette des Maestro Paolo Arrivabeni et Speranza Scappucci. Ses différentes collaborations l’ont amenée à travailler avec des chefs tels que Christoph Eschenbach, Jesus Lopez Cobos, Guennadi Rojdestvenski, Ion Marin, Michel Plasson, et lui ont ouvert les portes de salles prestigieuses : Salle Pleyel, Théâtre des Champs-Elysées, Bozar de Bruxelles, Laeiszhalle de Hambourg, Festspielhaus de Salzburg ou encore les Opéras de Kiel, Mascat et Tel-Aviv.

« Partenaire de musique de chambre recherchée, ses activités l’ont amenée à se produire au sein de formations prestigieuses, telles que l’ensemble Oxalys et l’Orchestre de Chambre de Toulouse.
Egalement férue de pédagogie, elle est régulièrement invitée à donner des master-classes, principalement en France et en Belgique, mais également en Asie (Taiwan). Elle est titulaire d’un Master de Pédagogie obtenu en 2016 au CNSM de Paris, doublé du Certificat d’Aptitude de Professeur de Flûte et de Musique de Chambre. »

Edouard Faliere

Titulaire d’un DE de jazz, Edouard Falière enseigne actuellement la batterie au CRD d’Auxerre. Il a participé à différents projets en tant que percussionniste et batteur : Hi Hat Brass Band, OJJB, Bruno Paggi et Pascal Gaubert Jazz Syndicate.